|
|
 |
Флаг Италии |
Свой государственный статус страна обрела в 1861 году, когда стратегическое положение Италии на Средиземноморье привлекало к ней завоевателей со времен Гомера.
Государство этрусков подчинила себе могучая римская империя, достигшая расцвета на рубеже нашей эры. Рим стал наследником греческой культуры и передал современности многие традиции демократических институтов, каноны искусства и права.
На протяжении пятисот лет Рим был столицей мира, и только в пятом веке н.э. одряхлевшая империя пала под ударами германских племен. Наступили "темные времена", когда по Италии прокатывались волны остготов, лангобардов, франков, византийцев, вестготов, вандалов, арабов и норманнов. К концу раннего средневековья Италия представляла собой группу независимых государств, среди которых главную роль играли мощные торговые республики, такие как Венеция, Флоренция и Генуя.
 |
Марк Аврелий |
В XV - XVI вв. в Италии произошел мощный культурный взрыв, известный нам как Ренессанс – из наследия прошлого реализовалась культура Возрождения (см. Раздел «Культура Возрождения»).
К усилению национального самосознания привела австрийская оккупация, закончившаяся объединением страны под эгидой Пьемонтского короля Филиппа-Эммануила в 1861 году.
С этого момента и начинается история государства Италия, границы которого не сильно изменились за последние 150 лет, за исключением присоединения Южного Тироля, отторгнутого у той же Австрии после Первой Мировой войны.
Италия была вторым после Греции важнейшим культурным регионом I тысячелетия до н.э. Всего за несколько столетий Древний Рим смог проделать путь от маленькой общины на реке Тибр до огромной империи, владыки тогдашнего мира.
"Вечный город" (так называли Рим) постепенно, шаг за шагом, подчиняет себе сначала Апеннинский полуостров (в V-IV вв. до н.э.), а затем все Средиземноморье. Само слово "Рим" в древности было синонимом величия и славы, воинской доблести и богатства. Недаром возникла поговорка: "Все дороги ведут в Рим", ибо со всего света устремлялись туда путешественники, торговцы и искатели сокровищ.
 |
Волчица, вскармливающая |
В формировании римской культуры приняли участие многие народы и племена, подчинившиеся римской власти – население Италии, греческих областей, эллинических государств (Египет, Пергам и пр.). Поэтому римская культура была явлением гораздо более сложным, чем греческая.
Огромной исторической заслугой римлян было то, что они сохранили для потомков многочисленные памятники греческой скульптуры, сделав с них великолепные мраморные копии.
Благодаря римлянам мы знаем, как выглядели прославленные греческие статуи. Поэтому в наше время мы имеем уникальную возможность заглянуть вдаль и прикоснуться к величию прошлых веков.
В 80 году н.э. римляне завершили постройку Колизея, и именно с этой датой связывают возникновение профессиональных гладиаторских боев.
Кто не слышал о гладиаторах? С самого детства нас сопровождает, взятый из многочисленных фильмов и книг, образ этих легендарных фигур. Они предстают в нашем воображении эдакими героями.
Знаменитые гладиаторские бои были переняты римлянами у греков и египтян и приняли религиозный характер жертвоприношения богу войны Марсу. Вначале гладиаторами являлись военнопленные и приговоренные к смертной казни. Законы древнего Рима позволяли им участие в гладиаторских боях. В случае победы (на полученные деньги) можно было выкупить свою жизнь.
Бои проводились в театрах, на аренах и площадях. Они получили большую популярность и вскоре гладиаторы начали биться не на смерть, а до первого ранения или до отказа одного из участвующих. Со временем этому типу борьбы было разрешено даже обучать в римских школах, что-то нечто современного урока физкультуры.
|
Бои гладиаторов |
Были случаи, когда граждане, в погоне за славой и деньгами, отказывались от собственной свободы и становились гладиаторами. Среди них были даже женщины, когда император Нерон издал указ, разрешающий участвовать свободным женщинам в гладиаторских турнирах.
После него Поццуоли позволяет сражаться женщинам-эфиопкам. А император Домициано в 89 году выводит на арену гладиаторов-карликов. Для того чтобы стать гладиатором, необходимо было принять присягу и объявить себя "юридически мёртвыми". С этого момента бойцы вступали в другой мир, где царили жестокие законы чести. Первым из них – было молчание. Гладиаторы объяснялись на арене жестами. Второй закон – полное соблюдение правил чести. Так, например, гладиатор, упавший на землю и сознающий свое полное поражение, был обязан снять защитный шлем и подставить горло под меч противника или же вонзить свой нож в собственное горло.
Всего существовало восемь классов гладиаторов, каждый из которых имел свои строгие правила и специальное обмундирование.
Некоторые надевали металлические шлемы, другие защищали голову и шею установленным на плече металлическим или кожаным щитом. Были среди них обладатели трезубцев и сетей, похожих на рыбацкие. Другие имели короткую шпагу, под названием "гладио", от которой и получили свое название гладиаторы. Имелись также специальные защитные пластины для рук и ног. Но все было продумано таким образом, что каждый класс имел свои более открытые уязвленные места. Поэтому во время состязаний не было никакой возможности предугадать по обмундированию, кто из гладиаторов сможет победить. Это придавало боям особый интерес.
В фильмах мы часто видим римских императоров, поднимающих или опускающих большой палец во время гладиаторских боев. Но этому нет никаких исторических подтверждений, хотя жесты действительно использовались на аренах, поскольку гладиаторы не могли говорить. Если один из гладиаторов перед боем поднимал вверх указательный палец, это означало, что сражение должно продолжаться до первого ранения. Если рука во время боя была поднята вверх, а большой палец находился в горизонтальном положении – это значило, что гладиатор просит его прикончить. Хотя иногда просил и о пощаде, когда кулак был сжат. Только судья, присутствующий при гладиаторских боях, мог принимать решения. Если его рука была сжата в кулак – прощение, если кулак был разжат – смерть. Назначение судей происходило исключительно по приказу императора.
Вне амфитеатра жизнь гладиаторов проходила как у современных атлетов – строгая диета и физические упражнения. Жили они в специальных казармах. Питались калорийной смесью, состоящей из зерновых культур. Но на ужин перед сражением могли употреблять все, что хотели, включая женское общество. Многие гладиаторы подрабатывали, служа телохранителями у знатных господ, или участвовали в праздничных дуэлях, где запрещался смертный исход.
По убитым гладиаторам проводили религиозные панихиды и собирали их кровь, так как она считалась священной. Ее давали пить больным эпилепсией, поскольку древние римляне верили в ее целебные качества. Существовали самые различные поверья, связанные со смертью гладиаторов. Так, например, богатые невесты во время свадебной церемонии втыкали в свои волосы шпильки, смоченные кровью убитого гладиатора. Считалось, что это сопутствует счастливой семейной жизни, как в наши дни бросать рис на молодоженов.
С расширением Римской Империи на аренах начали появляться эмигранты, готовые сражаться за более низкие цены. С этого момента начинается упадок гладиаторских боев. С принятием христианства положение ухудшается. Постепенно гладиаторы были отстранены от публичных зрелищ. Но, несмотря на запреты, эти сражения продолжались до V века н. э.
 |
Экстаз Св. Терезы |
В настоящее время в Италии созданы спортивные организации, где полностью воспроизведены правила боя и обмундирование, использовавшиеся в древнем Риме. Единственная разница состоит в том, что не происходит пролития крови. С 1994 года в Комо-Бергамо и в Риме открыты школы для современных гладиаторов. В 2000 году в городе Алассио впервые проведен интернациональный турнир гладиаторов.
Итальянское Возрождение является ценностной доминантой культуры Италии.
Термин "возрождение" (перевод с французского термина "ренессанс") указывает на связь новой культуры с античностью. В результате знакомства с Востоком, в частности с Византией, в эпоху крестовых походов итальянцы познакомились с древними гуманистическими рукописями, различными памятниками античного изобразительного искусства и архитектуры. Все эти древности начали частично перевозиться в Италию, где они коллекционировались и изучались. Но и в самой Италии было немало античных римских памятников, которые также стали тщательно изучаться представителями итальянской городской интеллигенции. В итальянском обществе пробудился глубокий интерес к классическим древним языкам, древней философии, истории и литературе. Особенно большую роль в этом движении сыграл город Флоренция. Из Флоренции вышел ряд выдающихся деятелей новой культуры.
Гуманистическая культура в центр своего внимания ставила самого человека (humanus — человеческий), а не божественное, потустороннее, как это было в средневековой идеологии. В гуманистическом мировоззрении аскетизму уже не оставалось места. Человеческое тело, его страсти и потребности рассматривались не как нечто "греховное", что надо было подавлять или истязать, а как самоцель, как самое главное в жизни.
Земное существование признавалось единственно реальным. Познание природы и человека объявлялось сущностью науки. В противоположность пессимистическим мотивам, господствовавшим в мировоззрении средневековых схоластов и мистиков, в мировоззрении и настроении людей Возрождения преобладали оптимистические мотивы; для них была характерна вера в человека, в будущее человечества, в торжество человеческого разума и просвещения.
Плеяда выдающихся поэтов и писателей, ученых и деятелей различных видов искусства участвовала в этом новом великом интеллектуальном движении.
Крупнейшей фигурой, стоявшей на грани средневековья и нового времени ("последний поэт средневековья и в то же время первый поэт нового времени"), был флорентиец Данте Алигьери (1265 -1321). Его "Божественная комедия", как никакое другое произведение того времени, впитала всю идеологию средних веков.
"Ад", "Чистилище" и "Рай" составляют три части его поэмы. Но в то же время в поэзии Данте уже чувствуются новые, глубоко реалистические мотивы. Сама классовая борьба в родном городе Данте – Флоренции отразилась в поэме, как в зеркале. "Божественная комедия" была написана на тосканском наречии, которое легло в основу будущего национального итальянского литературного языка.
XVI веке (Чинквеченто) – последнее столетие в истории итальянского Ренессанса. Оно включает пору его ярчайшего расцвета, так называемое Высокое Возрождение (конец XV - 30-е годы XVI века), время Позднего Возрождения (40 -80-е годы) и период его постепенного угасания в условиях ужесточившейся католической реакции.
В эпоху Чинквеченто, как и прежде, светская гуманистическая культура Возрождения существовала и в той или иной мере взаимодействовала с народной, аристократической и церковно-католической культурами Италии.
Общий процесс культурного развития страны в XVI веке дает пеструю картину стилистической неоднородности: сочетания Ренессанса с возникшим в 20-е годы маньеризмом и зародившимися в последние десятилетия этого столетия академизмом и барокко.
Основные этапы политического и социально-экономического развития Италии в XVI веке хронологически не совпадали с главными фазами культурных процессов.
Высокое Возрождение пришлось на время опустошительных Итальянских войн (1494 -1559), когда Апеннинский полуостров стал ареной борьбы Франции с Испанией и Империей за овладение Неаполитанским королевством и Миланским герцогством. В эти войны были вовлечены многие итальянские государства, преследовавшие и свои собственные политические и территориальные цели.
Войны нанесли серьезный ущерб экономике страны, терявшей к тому же свои позиции на внешних рынках, что было связано с перемещением мировых торговых путей в результате великих географических открытий и турецких завоеваний в Восточном Средиземноморье. Окончание Итальянских войн оказалось политически крайне неблагоприятным для страны, поскольку Испания закрепила свою власть над Неаполитанским королевством и утвердила свое господство в Миланском герцогстве и ряде мелких территорий, но оно создало условия для экономического подъема в Италии во второй половине столетия.
В то же время в сельском хозяйстве уже в начале века наметилась, а позже усилилась тенденция к рефеодализации, к сохранению традиционных форм землевладения, к реставрации личной зависимости крестьянства. Капиталы, сформировавшиеся в торгово-промышленной сфере, все чаще вкладывались в приобретение земель, а не в дальнейшее развитие производства.
Раннекапиталистические отношения в промышленности не получали новых стимулов, и в итоге Италия к началу XVII века оказалась намного позади таких передовых стран, как Англия и Голландия. Ее социальные контрасты поражали современников-чужеземцев, хотя их проявления и масштабы в других странах были немалыми. Разрыв между полюсами богатства и нищеты достиг в Италии небывалых размеров. Усиливался и социальный протест, выливаясь в периодически вспыхивавшие городские восстания и крестьянские бунты.
С повсеместным утверждением в итальянских государствах абсолютистских форм правления (республиканский строй сохранялся на протяжении всего XVI века и позже, до конца XVIII века, только в Венеции) активно шел процесс продажи и раздачи правителями феодальных титулов и званий городской верхушке, рос бюрократический аппарат, складывался слой чиновничества.
В новой обстановке менялись настроения и идеология различных социальных слоев. Этические ценности, распространенные в торгово-предпринимательских слоях, рационализм и принципы честного накопительства, идеи гражданственности и патриотизма уступали место дворянской морали, ценившей родовитость, фамильную честь, воинские доблести и верность сеньору. Важное значение получил и культ куртуазного.
В эпоху Контрреформации и католической реакции, резко усилившейся в последние десятилетия XVI века, с новой энергией и разнообразными методами насаждались принципы традиционной церковной морали и благочестия, причем верность ортодоксии рассматривалась как нравственный постулат.
Определенную трансформацию претерпели и гуманистические идеалы. Это отразилось в кризисных явлениях, ряд которых наметился в ренессансной культуре уже в эпоху Высокого Возрождения.
Учение о человеке, его месте в природе и обществе получило развитие теперь не столько в сфере традиционных гуманистических дисциплин, сколько в натурфилософии и естествознании, политической и исторической мысли, в литературе и искусстве. Но, пожалуй, главное отличие Чинквеченто от предшествующих этапов Возрождения – в широком проникновении Ренессанса во все сферы культуры: от науки и философии до архитектуры и музыки. Нет такой области культуры Италии, которая не была бы затронута воздействием Ренессанса.
Ренессансная культура, ее гуманистическое мировоззрение и художественные идеалы широко воздействовали на жизнь итальянского общества. Хотя нельзя отождествлять представления творцов новой культуры и тех, кто ее воспринимал в меру своей образованности. Светские начала активно утверждались в идеологии и менталитете, в образе жизни и повседневном быту разных социальных слоев. Этому способствовала сама разносторонность культуры Возрождения, многообразие сфер ее проявления и воздействия – от философии до литературы и искусства.
Ренессанс, таким образом, дал импульс усилению процессов секуляризации общественной жизни Италии, повышению роли индивидуального и национального самосознания, выработке новых массовых художественных вкусов.
Многогранное творчество Леонардо, происходившего из небольшого тосканского городка Винчи (1452 -1519), – одна из вершин культуры Высокого Возрождения. Разносторонний гений – блестящий художник, выдающийся инженер, опередивший свое время, конструктор всевозможных машин и знаток анатомии, физики, механики, скульптор и архитектор, глубокий мыслитель и литератор – Леонардо стал воплощением гуманистического идеала всесторонне развитии личности, подлинным homo universale.
Пытливый ум Леонардо да Винчи стремился во всем к новаторству, пересмотру естественных наук, к их союзу с искусством. Его творчество связано с республиканской Флоренцией и Миланским герцогством, папским двором в Риме и годами пребывания у французского короля Франциска I.
Многие его грандиозные проекты и смелые начинания так и не нашли завершения и в силу высочайшей требовательности к собственному творчеству, и в силу неблагоприятных обстоятельств.
Неоконченной осталась его картина "Поклонение волхвов"; погибла в начале Итальянских войн конная статуя правителя Милана Людовико Сфорца, созданная Леонардо в глине и предназначенная для отливки в бронзе; рано начала разрушаться фреска "Тайная вечеря" в миланском монастыре Санта Мария делле Грацие, при работе над которой художник смело экспериментировал с красками.
Не были завершены и систематизированы Леонардо его многочисленные научные труды, охватывавшие широчайший круг вопросов из самых разных областей знания и художественной практики. От них остались лишь разрозненные заметки, фиксирующие главные идеи, результаты наблюдений, отдельные мысли, а также поразительные рисунки, отразившие глубину и оригинальность размышления и гениальных догадок ученого.
Сохранившееся наследие Леонардо, прежде всего выдающиеся работы, положившие начало искусству Высокого Возрождения, такие как оба варианта "Мадонны в скалах", портрет Моны Лизы ("Джоконда"), картон для росписи "Битва при Ангьяри", "Св. Анна с Марией и младенцем Христом" и другие, а также макеты различных механизмов и его сочинения обессмертили имя гения итальянского Возрождения.
Достигшая в пору Высокого Возрождения вершин своего развития, ренессансная культура не избежала кризисных явлений. Они очевидны в зарождающейся драматической напряженности художественных образов, позже дошедшей до трагизма, в горьком стремлении показать бесплодность даже героических усилий человека в борьбе с роковыми силами, противостоящими ему.
Признаки наметившихся кризисных явлений складываются и в резко проявившихся в ту пору контрастах общественной мысли: рационализм и трезвый взгляд на действительность сочетаются с напряженными утопическими поисками идеального земного града.
Итальянский национальный характер
 |
С. Берлускони |
Национальный характер народа подчас проявляется скрыто и незаметно: в отношении к окружающему миру, в манере поведения, в способах общения, в склонностях и пристрастиях, в образе жизни, в традициях и привычках.
Италия, щедро раскрывая свои сокровища и делясь тайнами бытия, была и остается для окружающего мира своеобразным магнитом. Но если сама Италия вызывала и вызывает безусловное восхищение, то отношение к итальянцам сложное.
"Весь мир – театр, в нем женщины, мужчины – все актеры..." Итальянец играет всегда – он постоянно на сцене. Поведение, стиль общения, речь, манера одеваться – все подчинено внутренней логике игры.
Итальянец всегда в образе: работника, семьянина, друга, посетителя бара и он всегда стремится довести этот образ до совершенства. Роли должны быть обозначены и званием, и костюмом. Наигранность итальянцев абсолютно естественна, а игра всегда серьезна.
Излюбленное место действия итальянского спектакля жизни – это улица. Здесь можно и себя показать и представление посмотреть. Люди громко разговаривают, и, видимо, для того, чтобы всем было понятно, о чем, собственно, идет речь, передают суть разговора с помощью мимики и жестов. Надо только учитывать, что все их чувства и эмоции сильно преувеличены.
Характер и жизнь итальянцев состоит из парадоксов и противоречий. С одной стороны – знаменитые на весь мир оперные певцы, а c другой – грубые, крикливые голоса жителей. Классические идеалы силы и здоровья и плохие воины. Сильно развитый индивидуализм и царство толпы. Одна из самых совершенных систем переработки мусора и грязные улицы. Культ семьи и крайне низкая рождаемость и т. д.
Этому народу трудно, почти невозможно, дать емкую и краткую характеристику. У итальянца каждая отличительная особенность характера успешно уживается со своей противоположностью. Важной составляющей итальянской натуры является стремление сохранить "bella figura" (дословно - "прекрасная фигура").
Прежде всего это выражается в манере одеваться. Одежда должна быть красивой во всех жизненных ситуациях. Удивительно тонкий эстетизм и врожденное чувство вкуса крайне свойственны итальянцам. Это проявляется во всем: красивой одежде, гармоничной мебели, в высокохудожественном оформлении витрин. К еде итальянцы относятся крайне серьезно и со всей страстью. Еда здесь не просто принятие пищи – это важный и очень ответственный процесс, в котором значительно все: и порядок, и время, и обстановка, и настроение. Ни место, ни цена в этом случае значения не имеют. Не менее трепетно итальянцы относятся и к напиткам. Они пьют весь день, но при этом среди них крайне редко встретишь пьяных. Они пьют для вкусовых ощущений в качестве приема пищи, для удовольствия.
Подлинным центром Вселенной для итальянца является его семья. Она – основа его существования. Особенно трепетное отношение к детям. Их не просто любят, ими восхищаются, их балуют, им поклоняются и позволяют делать все что угодно. У итальянцев принято восхищаться женщиной и не скрывать этого. Женщина здесь действительно имеет возможность быть в центре мужского внимания, чувствуя себя желанной и восхитительной.
Ни карьера, ни труд, ни деньги, ни политика не важны так для итальянца, как получение удовольствия. Это и хорошее вино, и вкусная еда, и красивая женщина, и общение с другом, и уличный или семейный праздник. Именно эти вещи имеют первостепенное значение, составляют смысл и придают значение жизни. Может быть поэтому итальянцев нередко упрекают в лености. Именно удивительный характер итальянцев, их по-детски ясное восприятие мира и создают то очарование удивительной страны, которое трудно выразить словами, невозможно передать, но перед которым так трудно устоять.
|
Бенито Муссолини |
В Италии никогда расовая культура не находила столь глубокого отклика, как в других странах, таких как Германия или Франция. Она скорее напоминала подземный поток, который, лишь изредка пробивался на поверхность подобно кристально чистым, незамутненным временем родникам, что нередко совпадало с теми ключевыми моментами, когда казалось, что сама судьба итальянской расы клонится к закату.
Расовая культура в Италии подобна эволианскому "каменному гостю": скрывает своё присутствие от шумных толп, одновременно с этим творя историю Италии.
Даже рождение и развитие фашистской революции в Италии не было подкреплено теоретическими и культурными разработками доктрины Расы с учетом итальянских особенностей. Сам итальянский фашизм имел скорее ярко выраженный характер национализма, нежели расистского движения, хотя его глава, Бенито Муссолини, в своих идеологических работах обращался к шпенглеровскому тезису "Заката Европы", которому он посвятил несколько страниц тонких размышлений.
В послевоенный период, после долгого кровавого сезона, на протяжении которого самые низменные элементы итальянского общества, сбившиеся в банды партизан, с гарантией ненаказуемости предавались систематическому истреблению фашистов, уцелевших после войны, абсолютное молчание воцарилось в итальянском обществе и культуре относительно столь значимых тем как расовая идентичность.
В современное время, рассматривая итальянскую культуру, можно отметить все возрастающую интеграцию в общую западноевропейскую культуру. Разумеется, существуют большие различия между, скажем германцами и итальянцами, но это уже скорее вопрос национального характера.
Что же сделала римско-католическая церковь? Прежде всего она воспитала романо-германские народы. Это она приобщила молодые нации к христианской культуре; она не оставила их на первых ступенях этой культуры, а развила у них способность к дальнейшему совершенствованию и сама руководила этим процессом в продолжение почти тысячелетнего периода.
Вплоть до XIV столетия она оставалась такой руководительницей и матерью народов; она давала идеи, она указывала цели, она освобождала стесненные силы.
 |
Собор Святого Петра |
Крылья канонады Бернини, осеняя собор Святого Петра, образуют площадь с обелиском и двумя фонтанами. Струи воды, взлетая ввысь, как бы сливаются с мощным потоком движения, которым охвачены статуи, венчающие канонаду. Веселый плеск фонтанов, перезвон колоколов смешиваются с многоязычным говором сотен путешественников и паломников, заполняющих площадь каждое утро. Над всем царит огромный купол главного храма католической церкви. Папа Сикст V говорил об этом творении Микеланджело, что, устремляясь к небу, оно не покидает землю, и видел в нем глубокий символ католицизма.
С двух сторон площадь Святого Петра замыкается высокой стеной. За ней – государство-город Ватикан. Чисто символические размеры (площадь – 44 га, население – около 1000 человек) лишь подчеркивает его могущество. На протяжении 1,5 тысяч лет владыки папского престола удерживали власть – и не только духовную – над миллионами католиков.
Французский историк и дипломат Шарль Пишо сказал о Ватикане: "Он как корабль-привидение маячит на горизонте современного мира, ибо мало кто знает, что это такое, как он образован, как функционирует, каковы законы существования в нем, а главное – каков его дух".
В конце IV века под ударами варваров рухнула Римская империя, фактически распавшись на две части – Западную и Восточную. Еще почти через 100 лет, в 476 году, пала императорская власть в Западной части Римской империи. С этого времени главенство над Римом получил епископ вечного города, присвоив себе титул папы.
Спустя 20 лет после принятия Миланского эдикта император Константин покидает Рим и основывает новую столицу – Константинополь. Древняя столица античного мира, ее политическое и культурное значение по-прежнему обеспечивают авторитет и первенство римских епископов. "Вечный" Рим становится "священным".
 |
Папа римский Иоанн Павел II |
"Не человеческий, а божественный авторитет основал римскую церковь", – утверждал папа Иннокентий I. Все чаще обращаются папы к "божественному авторитету" для утверждения новых христианских ценностей и основанной на них христианской культуры.
На заре средневековья ведущую роль в утверждении христианской культуры начинают играть папы римские. Свою "культурную политику" они полностью подчиняют решению идеологических и политических задач, вставших перед католической церковью на исходе античности, на пороге средневековья.
Постепенно классическая античная культура угасает и уступает место средневековой. Процесс этот начался давно, но нашествия варваров почти окончательно истребили остатки языческой материальной культуры и значительно изгладили античные воспоминания. Дело разрушения завершила церковь. Языческие храмы превращаются в христианские церкви, металлические статуи богов переливались в изображения святых, драгоценные кресла из развалившихся терм были перенесены в храмы, мраморные ванны поставлены в крестильных и сделаны купелями, старинные зрелища, занимательные мифы – вытеснены назидательной легендой.
Христианская церковь занимала в феодальном мире Западной Европы особое место. В отличие от Византии она формируется как подлинно феодальная церковь, экономически и административно независимая от государства. В ее организации резче, чем на христианском Востоке, была подчеркнута противоположность духовенства и мирян.
Монастыри в западных странах рано превратились из поселений отшельников в звенья политически активных монашеских орденов. Епископы имели войско и вершили суд. Римский первосвященник, который с пятого века стал именоваться папой, был не только духовным пастырем, но с VIII века – и независимым правителем собственного государства. Располагая хорошо налаженной церковной организацией, церковь стала важным цементирующим феодальное общество звеном, чем стремились воспользоваться римские папы, провозглашая примат своей власти над светскими государями Европы.
Свои притязания на вселенскую власть и римское наследие папы обосновывали ссылками на "патримонию Святого Петра" и "дар императора Константина". Теоретики католицизма объявили Римскую империю последним земным царством, после которого наступит вечное царство небесное.
Начало западной церкви и папства как ее важнейшего института католические историографы датируют временем возникновения самого христианства и епископством апостола Петра в Риме, прямыми наследниками которого по сей день считают себя папы римские.
Средневековый идеал христианского общества сыграл в прошлом положительную роль. В средневековье идея священной империи вдохновляла и направляла развитие цивилизации. Священная империя стремилась в идеале к максимально органическому единству общества. Мирской фактор был подчинен духовному.
Мирской политический порядок должен был служить добру и духовному единству самого общества. В священной империи нерушимо соблюдалась общественная иерархия. Идеал священной империи обязывал стремиться к установлению на земле царства божьего.
К концу VI века католическая церковь распространила свое вероучение и закрепила свою власть на всем пространстве бывшей Римской империи. Естественно, возникает вопрос о роли христианства в процессе становления Европы.
Достигнутое благодаря распространению христианства идеологическое единство веры и убеждений, понимание основных ценностей жизни помогло остановить начавшееся с «великим переселением народов» взаимное истребление народов и именем Европы остановить полное разрушение уже созданной средиземноморскими народами культуры.
Кроме того, римско-католическая церковь отстояла в Западной Европе идеи независимости религии от имевших здесь место стремлений к установлению монополии государства в духовной сфере. Религия и связанная с ней нравственность имеют свою самостоятельную область и не допускают чьего-либо вмешательства в последнюю. Этим Запад обязан преимущественно римской церкви.
Ватикан в средние века, так же как и сегодня, играл очень важную культурную роль в жизни Европы.
Папы-меценаты эпохи Возрождения собрали вокруг себя самых выдающихся художников и скульпторов, поэтов и мыслителей и дали им возможность осуществить гениальные проекты. Папский двор стал самым блестящим двором Европы. Имена Рафаэля и Микеланджело, Бернини и многих других прославленных мастеров оказались неразрывно связанными с именами пап, по заказам которых они работали.
Шедевры, созданные на протяжении веков многими поколениями художников, стали не только символами духовных и культурных ценностей христианства, но и символом европейской цивилизации в целом.
Конечно, история запечатлела и другой образ Ватикана. Многое ныне делается там для того, чтобы стереть этот образ из памяти человечества. В течение нескольких десятилетий в Ватикане проходил процесс реабилитации Галилео Галилея. Католические идеологи прилагают огромные усилия, чтобы заставить забыть о временах инквизиции, списках запрещенных книг, охоте на ведьм, о временах печально знаменитого "Силлабуса" Пия IX, этого монумента церковного обскурантизма и ненависти к современной культуре.
Для тех, кто сегодня оказывается под сенью собора Святого Петра, проходит по роскошным ватиканским дворцам и богатейшим музеям с их бесценными художественными сокровищами, "апостольская столица" предстает как преемница папского Рима – Rome dei papi – времен Юлия II и Льва X, а вернее Рима времен Рафаэля и Микеланджело.
Римская церковь есть наиболее грандиозное и мощное, наиболее сложное и в то же время наиболее проникнутое единством явление человеческой истории. Все силы человеческого ума и души, все первоосновные силы, которыми располагает человечество, работали над ее созиданием.
Ватикан и сегодня продолжает все так же активно участвовать в жизни людей.
Новая католическая концепция культуры разрабатывается в таких направлениях, как личная культура, культурные ценности и способы их передачи, массовая культура, материальная культура. Творцом культуры собор признал человека. Создавая культуру, он совершенствует как творение, так и самого себя.
Другая важная забота церкви сегодня – "ввести и воплотить евангельское благовестие в культурную жизнь нашего времени, сделать его культурно значимым для современного человека", переформулировать в терминах, свойственных нашему времени, христианское учение, переосмыслить его "изнутри исторической ситуации".
В начале третьего тысячелетия, когда кризис западной цивилизации, в течение многих веков связанной с христианством, сравнивают по масштабам и исторической значимости с кризисом времен краха Римской империи, когда оспаривается само "христианское вдохновение", открытость культуры трансцендентным ценностям, католические идеологи, опираясь на исторические традиции и опыт церкви, пытаются противостоять "апокалипсису" современной культуры.
Современная церковь – это целый мир, она объединяет сотни миллионов верующих. Для многих из них религиозный идеал продолжает оставаться самой возвышенной культурной ценностью, и в нем они воплощают свои земные устремления.
На пороге третьего тысячелетия, когда весь мир озабочен судьбами будущей цивилизации, среди католиков постоянно возрастает стремление к выработке самой широкой платформы для объединения всех людей доброй воли на основе общечеловеческих ценностей для спасения и обогащения духовной культуры человечества.
Система образования в Италии отлична от российской. Когда для маленького итальянца кончается период младенчества, его ждет следующий путь: сначала – "la scuola Materna" (детский сад). Там дети играют, учатся общаться друг с другом, закладывая основы для того, чтобы пойти в школу в будущем. Нередко такие детские сады находятся при церквях, и монахини выполняют роль воспитателей, закладывая в детях основы христианства и миропонимания.
В эти детские сады маленькие итальянцы ходят с трех до шести лет, а в начальную школу (la scuola Elementare) дети начинают посещать, когда им исполняется шесть лет и учатся там пять лет до исполнения одиннадцати лет. На этом этапе дети изучают основополагающие предметы: математику, историю, итальянский язык, географию, иностранный язык, науку, а также ходят на физкультуру, которую очень любят.
С 11 до 13 лет итальянцы ходят в среднюю школу (la scuola Media). Эти учебные заведения подразделяется на музыкальные, где детей учат играть на музыкальных инструментах, и языковые, в которых ими изучаются два иностранных языка, обычно английский и французский.
Последующее обучение связано с высшей школой (la scuola Superiore), в которую ходят итальянцы с 14 до 18 -19 лет. Эта школа отличается от всех предыдущих, потому что с этого этапа происходит существенное разделение в обучении детей.
Существуют следующие высшие школы:
классический лицей (il liceo classico), где упор делается на изучение итальянского языка;
языковой лицей (il liceo linguistico), в котором усиленно изучают иностранные языки;
профессиональные школы (istituti per lo studio tecnico), соответствующие типу профтехучилищ России;
коммерческие школы, где обучают финансовым дисциплинам с учетом будущей работы в финансовой сфере.
Также, существуют и другие типы школ, такие как музыкальные и спортивные. Часть лицеев не выдает выпускникам дипломов, потому что подразумевается, что те, кто закончил такие лицеи, будут продолжать обучение и пойдут в университеты, которые и выдадут им свои дипломы.
Университеты Италии интересны своей уникальностью.
История университетов Италии насчитывает очень много столетий, и многие из них являются не только зданиями, где преподают знания, но и своеобразными историческими музеями. Отличие итальянских университетов от российских состоит в том, что само обучение не носит обязательного характера: студенты не сдают сессии каждый семестр при систематическом посещении занятий, а прослушивают курс лекций и сдают экзамен тогда, когда им это удобно.
Также большое отличие итальянского университетского образования от российского заключается в том, что молодые люди не сразу идут в университет после школы, а как правило пару лет работают, зарабатывая себе деньги на образование, потому как обучение в университетах бесплатно только за тех, кто очень хорошо учится.
Искусство итальянского градостроения
Искусство итальянского градостроения прошло огромный путь в своем развитии. Символами итальянского искусства градостроения являются такие грандиозные сооружения, как собор Святого Петра в Риме, Пизанская башня, Петергоф в России др.
Основные этапы развития и становления итальянской архитектуры.
Истоки итальянского градостроительства
 |
Площадь Капитолия |
В завоеванной Греции римляне вели себя, как варвары. А когда они прослышали о ценности произведений искусства, уничтожение сменилось грабежом.
Во времена правления Цезаря Августа (63 г. до н.э.) вид столицы еще не соответствовал величию державы, Рим тогда страдал от наводнений.
Август так отстроил город, что по праву гордился тем, что принял Рим кирпичным, а оставляет его мраморным; он сделал все, что может предвидеть человеческий разум, для безопасности города на будущие времена: весь город он разделил на округа и кварталы.
Римская архитектура многое восприняла из этрусской и особенно греческой культуры и, ассимилировав в своем опыте заимствованное, внесла много значительных новшеств в мировое зодчество.
 |
Палаццо Веккио |
Для растущих городов империи требовались все новые форумы, где в важные дни собирался народ; доходные жилые дома в несколько этажей; просторные портики, разделенные продольными рядами колонн, где заседали судьи и шла торговля; грандиозные амфитеатры (как знаменитый римский Колизей), вмещающие десятки тысяч зрителей, где насмерть бились гладиаторы; мощные акведуки; термы – роскошные бани, часто служившие средоточением общественной жизни, с огромными плавательными бассейнами, площадками для физических упражнений и общественными библиотеками; монументы, прославлявшие императоров и победы римских легионов.
Все эти сооружения прекрасно отвечали своему назначению и их несколько тяжелая величавость отличала зарождавшийся римский стиль от его эллинского прообраза. То было умелое развитие уже найденных архитектурных форм в соответствии с новыми потребностями. В поисках величавости, сочетающийся с ясностью замысла, римское зодчество сумело создать на греческих образах нечто свое, оставившее глубокий след вплоть до наших дней.
Греки и этруски знали арку и свод. Но только в Риме эти архитектурные формы, преодолевающие исконную античную прямоугольность, получили свое законченное развитие: в Риме кривая уже соперничала с прямой.
Триумфальная арка императора Тита – одно из самых замечательных новшеств римского зодчества I века. Вот откуда ведут свой древний род все триумфальные арки нынешних европейских столиц.
Дух Рима отличен от духа Эллады.
Величайшим шедевром римской архитектуры того времени является Пантеон – храм всех богов. Это самый значительный по размерам римский купольный храм. Свет льется сверху из девятиметрового отверстия в куполе – знаменитого «окна Пантеона». Под светом, падающим с неба посетитель воспринимает весь этот величественный простор, обрамленный роскошной архитектурой, словно частицу Вселенной, собранную под сводами храма. Этот сферический охват пространства Европа позднейших времен узнала благодаря Риму.
Чудом сохранившиеся до наших дней шедевры римской архитектуры той эпохи можно встретить сегодня во Франции. Это храм Мэзон Карре в Ниме и театр в Оранже. Особенностью последнего является его сцена, сложенная из огромных квадратов, она и сейчас поражает грандиозностью.
Новыми городами с великолепными храмами, театрами, аренами и акведуками украшались покоренные Римом земли: Галлия, Британия, центральная Европа. Весь варварский мир, где прогремела железная поступь легионов, испытал влияние римской культуры. И эта же культура изменила Древний Восток, дала ему новое сознание своей силы, обратившейся против Рима.
Распад древнеримской империи на Западную и Восточную подорвал единство государства. Кризис древнеримской империи был не только кризисом власти, но и кризисом идей и культуры.
Римская традиция, представление о Риме как о грациозной империи, кладется в основу попыток ее реставрации на этико-религиозной основе христианства, предпринята Феодосием и святым Авросием в Милане, являвшемся столицей после распада великой империи (с 379 по 402 гг.).
Подражают Риму, но не храмовому, а императорскому. Это чувствуется в огромных размерах зданий, и в центричности их планов, и в мощном членении их тяжелых стен:
Апостольская базилика (вторая половина IV века);
Церковь Сан-Лоренцо Маджоре (V век);
Капеллы Сант-Акулино, Сант-Ипполито, Сант-Систо, соединяющиеся с Сант-Лоренцо;
Купольная часовня Сан-Витторе ин Чьел д’Оро.
Романский стиль
Первым крупным явлением общественной истории, после ужасов тысячного года, явилось возрождение городов – их рост. Зачастую новый город вырастает на основе древнеримского поселения, что считается признаком его благородного происхождения.
Идея истории, ее преемственности и целенаправленности заставляет вновь обращаться к древнеримским представлениям о монументе как о здании, имеющем историческое значение. Наиболее совершенным воплощением романского представления о монументе является кафедральный собор. Это отражение всей жизни и ее коммунальной системы. Кафедральный собор является сложным функциональным целым: и его внутреннее пространство предназначено уже не столько для создания, сколько для прибивания и жизни в нем. Пространство храма обычно трехъярусно: крипта, нефы и хор расположены на различных уровнях.
Первый образец романской культовой архитектуры – базилика Сент-Амброджо (Милан, IX - XII вв.). История строительства церкви являет собой пример того, как различные поколения достигали наивысшей свободы выражения, творчески перерабатывая формы, накопленные предыдущими строителями. Эта же черта является отличительной особенностью церкви Сан-Микеле в Павии (XII в.) и Сант-Аббондио в Комо (конец XI в.).
Число и пропорции вновь обретают силу, но не для того, чтобы привести к сглаженному классическому равновесию, а для того, чтобы придать зданию живописность, ритмичность. Архитектурное пространство определяется, таким образом, не только взаимным уравниванием деталей, сколько живописным противопоставлением горизонтальных линий.
 |
Пизанская башня |
Собор в Пизе (XII в.) соединяет несколько монументальных зданий в один комплекс – это классический градостроительный прием. Но с другой стороны, глубоко храмовым является стремление выразить в нем весь круг человеческого бытия – от рождения до самой смерти.
Частью комплекса собора в Пизе является широко известная "Падающая башня" (ее строительство было начато в 1173 году). Благодаря многоярусности арочных галерей ее фасад обретает возвышенность и пластичность на всем своем протяжении. Феномен же "падения" объясняется неравномерной осадкой грунта.
Готический стиль
С упадком Восточной Римской империи определяется сфера распространения готической культуры. Центром этой культуры становится Франция, но на ряду с французской готикой, появляется готика немецкая и итальянская, с присущими каждой из них своеобразием.
Готика является первым проявление не только европейской, но и "буржуазной" культуры.
Итальянская готика выглядит более сдержанной, менее экзальтированной, чем французская или немецкая. Цистерцианские аббатства представляют ту единую сеть, которая несет с собой готические структуры во все уголки Италии. Типология цистерцианских монастырей и церквей закреплена в правилах ордена.
Первым художником, перешедшим в Италии от романской уравновешенности к готической устремленности ввысь, был Бенедетто Антелами.
Типичными монастырскими церковными постройками периода готики являются:
Пармский баптистерий (XI - XII вв.);
Собор Санта-Мария дель Фьоре (Флоренция);
Церкви Сан-Франческо и Сан-Доменико в Сиене (середина XI в.), хранящие основные черты готического кафедрального собора.
В эпоху готики складывается своеобразная типология гражданского строительства, соответствующая потребностям общества, все более испытывающего последствия классового расслоения. Здание административного значения приобретает несколько большее значение, чем собор. Например, такие как Палаццио Публико (1280), Дворец дождей (1400).
Другими сооружениями общественного значения являются торговые ряды (Лоджия делла Синьория и Лоджия дель Бигалло во Флоренции), цеховые помещения, фонтаны (на центральной площади в Перудже Никколо и Джованни Пизано – 1278 г.).
Замок Кастель дель Монте (Андрия), построенный по приказу Фридриха II в 1240 году в качестве охотничьего замка, так же является ярким воплощением градостроительной мысли того времени.
В XV веке оборонительный аспект играет основную роль в определении форм градостроительства, позднее же наблюдается переход от фортификационного искусства к портам, мостам, планировке городов, к различным формам церквей.
Новый городской облик Венеции (в целом сохранившийся до наших дней) так же складывается в этот период развития итальянского градостроительного искусства – во второй половине XV века. Особое положение города, построенного на воде, не позволяет радикально менять существующую сеть каналов, улочек, помещений.
Меняются фасады зданий, строятся новые церкви, дворцы богатых семейств, жилые дома, церкви Санта-Мария Формоза, Сан-Микеле ин Изола.
Этому периоду присущи чистота сочетания тонов и такая техника инкрустации, которые постепенно вытеснили перегруженность убранства цветущей готики.
XVII век
Вопрос о языковой выразительности и коммуникативности, так волновавший общественность того времени, встает также и перед архитектурой. Его постановке способствуют особые общественные и политические условия того времени.
Рост населения, социальное расслоение общества, приток иностранцев требуют определенной экономии в использовании земельных участков и площади, отводимой для строительства дорог. Интерес к монументальному строительству рождает проблемы, связанные с созданием архитектурных ансамблей, упорядочением градостроительства и реставрации. Формирование определенных типов дворцов и жилых домов было вызвано необходимостью реализации больших градостроительных программ.
Распространение гуманистической культуры вело к утверждению в архитектуре более демократических вкусов. Мы имеем дело дело уже не с крупными строительными формами, а с более дробными морфологическими элементами, обогащtнными новыми находками, и даже стилизацией под античность (но отныне изучение античности направлено на поиски отклонений от классических правил (Паллаца Фарнезена, церковь Мадонна ди Сан-Бьяджо – начало 1518 года).
Эпоху Барокко можно определить как период культурной революции во имя идеологии классицизма.
Цель воображения – создать образ ирреального. Искусство стало великим социальным деянием, в котором каждый сотрудничал в меру своих способностей. Другое характерное явление барокко – быстрый и интенсивный обмен опытом благодаря путешествиям художников и репродукция их работ с помощью гравюры. Поэтому барокко становится явлением не только итальянского, но и общественного значения (Фасад церкви Сант-Аньезе (1652-1657), дворец Пропаганда Фиде (1647-1662)).
Доменико Фонтана применил впервые в истории градостроительства трехлучевую систему улиц, расходящихся от площади дель Пополо, чем достигалась связь главного въезда в город с основными ансамблями Рима. Обелиски и фонтаны, поставленные в точках схода лучевых проспектов и в их концах, создают почти театральный эффект уходящей вдаль перспективы.
Принцип Фонтана имел огромное значение для всего последующего европейского градостроительства. На смену статуе, как организующему площадь началу, приходит обелиск с его динамичной устремленностью ввысь, а еще чаще – фонтан, обильно украшенный скульптурой.
Блестящим примером барочных фонтанов были фонтаны Бернини: фонтан Тритона на площади Барберини и фонтаны Четырех рек и Мавра на площади Навона.
В эпоху раннего барокко не столько были созданы новые типы дворцов, вилл, церквей, сколько усилен декоративный элемент: интерьер многих ренессансных палаццо превратился в анфиладу пышных покоев, усложнился декор порталов, много внимания барочные мастера стали уделять внутреннему двору, дворцовому саду.
Особого размаха достигла архитектура вилл с их богатым садово-парковым ансамблем. Как правило, здесь развились те же принципы осевого построения, что и в градостроительстве: центральная подъездная дорога, парадный зал виллы и главная аллея парка по другую сторону фасада проходят по одной оси. Гроты, балюстрады, скульптуры, фонтаны обильно украшают парк, и декоративный эффект еще больше усиливается расположением всего ансамбля террасами на крутом рельефе местности.
В период зрелого барокко, со второй трети XVII века, более пышным становится архитектурный декор.
Украшается не только главный фасад, но и стены со стороны сада; из парадного вестибюля можно попасть сразу в сад, представляющий собой великолепный парковый ансамбль; со стороны главного фасада боковые крылья здания выдвигаются и образуют курдонер (почетный Двор).
В культовом зодчестве зрелого барокко пластическая выразительность и динамичность усиливаются. Многочисленные раскреповки и разрывы тяг, карнизов, фронтонов в резком светотеневом контрасте создают необычайную живописность фасада. Прямые плоскости сменяются выгнутыми, чередование выгнутых и вогнутых плоскостей также усиливает пластический эффект.
Интерьер барочной церкви как место пышного театрализованного обряда католической службы являет собой синтез всех видов изобразительного искусства (с появлением органа и музыки). Разные материалы (цветные мраморы, резьба по камню и дереву, лепнина, позолота), живопись с ее иллюзионистическими эффектами – все это вместе с прихотливостью архитектурных объемов создавало чувство ирреального, расширяло пространство храма до беспредельности (Борромини, церковь Сант-Иво, 1642 -1660).
В XVII же веке был воздвигнут самый большой храм в католическом мире – собор Св. Петра в Риме, в котором достигается единство пространства и тектоники.
Джованни Лоренцо Бернини (1598 - 1680) принадлежит типичнейшее создание барокко - ослепляющая декоративным богатством разнообразных материалов, безудержной художественной фантазией сенькиворий в соборе св. Петра (1657-1666), а также многие статуи, рельефы и надгробия собора.
Но главное создание Бернини – это грандиозная колоннада собора св. Петра и оформление гигантской площади у этого собора (1656 - 1667). Глубина площади - 280 м; в центре ее стоит обелиск; фонтаны по бокам подчеркивают поперечную ось, а сама площадь образована мощнейшей колоннадой из четырех рядов колонн тосканского ордера в 19 м высотой, составляющей строгий по рисунку, незамкнутый круг, "подобно распростертым объятиям", как говорил сам Бернини. Строительство этого великолепного храма в значительной мере затрагивает вопросы градостроительства, нового и глубокого истолкования историко-религиозного значения Рима.
Карло Ринальди мы обязаны устройством северного въезда в Рим с тремя расходящимися улицами, которые, начинаясь у Пьяцца дель Пополо, ведут к центру. Он же развивает и создает типологически новый вид храма в церкви Санта-Мария ин Кампителли (1662 -1667).
Существовало два основных принципа римского градостроительства: "памятник", или история; и пейзаж, или природа.
Мечта Карло Фонтана (1634 -1714) – ученика Раинальди – слить эти два элемента, привнести в город природный элемент, строить здания на свободных, открытых просторах. Свою мечту он попытался воплотить в фасаде церкви Сан-Марчелло аль Корсо (1683), который отличают свобода, воздушность и живописность.
В XVII столетии начался процесс европеизации русской архитектуры, который ограничивался только отдельными культурными очагами столичного уровня.
Венцом сближения русского с европейскогим архитектурным опытом стал Петергоф. Ансамбль его дворцов и парков – памятник архитектуры и садово-паркового искусства выдающегося значения, получивший всемирную известность как "столица фонтанов" (всего в парках Петергофа 4 каскада и 176 фонтанов). Он обладает богатейшей коллекцией русского и западноевропейского изобразительного и прикладного искусства XVIII - начала XX в.
В состав ансамбля входят Большой дворец, дворец Коттедж, дворцы Марли и Монплезир, Екатерининский корпус, павильон Эрмитаж. Не меньший интерес представляют и парки Петергофа: Верхний сад, Нижний парк, включающий Оранжерейный и Менажерейный сады, сады Венеры и Бахуса. В комплекс петергофских ансамблей входят и пейзажные Английский, Колонистский и Луговой парки и парк Александрия.
Итальянизмы проявились и в архитектуре петровской Москвы в знаменитом доме Гагарина на Тверской, построенном в духе ренессансного палаццо, и в новых корпусах большого Лефортовского дворца, в триумфальных арках (1709).
В XVIII веке происходит постепенная утрата религиозного содержания, и барокко становится только украшением: свободным, технически совершенным, легким и привлекательным искусством, не обремененным каким-либо идеологическими нагромождениями.
Новые художественные идеи часто прокладывают дорогу, отметая старые. Здесь зарождаются два направления: рококо и неоклассицизм. Охотничий замок Ступиниджи (1729 - 1731);фонтан Треви (1732-1762); Палаццо Де Каролис аль Корсо; церковь Санти-Симевне-э-Джуда (1718 - 1738).
Неоклассицизм ХIХ века
От здания-памятника приходят к зданию, выражающему определенную социальную функцию. Единство таких функций создает городской организм, а его устройство – это координация этих функций.
Так как социальная координация основана на принципе разумности, то градостроительные планы становятся более рациональными, т.е. следуют четким прямоугольным схемам, которые состоят из широких и прямых улиц, больших квадратных или круглых в плане площадей. Идея взаимосвязи человеческого общества и природы выражается в городе во введении широких зон зелени, чаще всего парков возле дворцов или садов бывших монастырей.
Сведение архитектуры только до выполнения градостроительных задач влечет за собой упрощение и типизацию ее форм. Например: церковь Санта-Сколастика в Субиако; кафе "Педрокки"; театр "Ла Скала" (1778); Палаццо Реале; Арка Мира (1807).
XX век
ХХ век характеризуется переходом от романтизма к футуризму. И уже архитектура второй половины XIX века показывает, как, достигнув единства, Италия уверовала в то, что все социальные проблемы разрешены и что теперь самое важное – это ревностно подавлять, стирать из памяти идеологические и народные истоки Рисорджименто.
Ущербной эклектической смеси "исторических стилей" официальной архитектуры, неисправимо изуродовавшей древние итальянские города, противопоставляется модерн, который готовил итальянской культуре выход на европейскую арену.
Стилистика модерна проявляется в постройках Д’Аронко (1857-1932) и Эрнесто Базиле (1857-1932). Возникает и утверждается позитивный, основанный на технических достижениях модерн, с поисками новых структурных решений, нацеленных на объединение архитектуры с современной индустриальной технологией и заинтересованный в использовании новых материалов: бетона и металла (памятник Виктору Эммануилу II).
Самые жизнестойкие художественные течения Италии угасли с началом Первой мировой войны, в том числе и прогрессивная волна футуристического авангарда. Только после второй, более трагической войны, удалось наверстать упущенное время и уверенно включиться уже не только в европейскую, но и в мировую культуру.
 |
Леонардо да Винчи |
Во всех странах история искусства является важным и ярким проявлением национальной художественной культуры. Но особенно это заметно в Италии, где искусство Возрождения достигло величайшего расцвета. Поскольку, остальные эпохи были не менее выразительными, кратко рассмотрим все этапы развития итальянской художественной культуры, начиная с самого раннего – этрусского – периода и заканчивая началом XX века.
Говоря о развитии изобразительного искусства в Италии, искусствоведы выделяют несколько эпох, каждая из которых интересна именами художников, течениями и стилями в живописи, концепциями восприятия культуры как таковой.
Древняя Италия не имела единой этнической или культурной общности. Это была своего рода мозаика, составленная из различных по происхождению народов, традиций, обычаев. Единственной культурой, впоследствии повлиявшей на древнеримскую, стала культура этрусков.
Этрусская живопись была тесно связана с погребальной архитектурой. Применявшаяся в то время техника представляла собой разновидность фрески. Краски разводились в воде и затем тонким слоем наносились на штукатурку. Поскольку цель росписей состояла в том, чтобы окружить покойного почерпнутыми из жизни образами, заменив ему тем самым земное окружение, в росписях преобладают обрядовые сцены с музыкантами, танцорами, гимнастами. Попадаются также изображения охоты и рыбной ловли. Нередко встречались мифологические сцены, ведущие свое происхождение от греческой вазописи или выполненные заезжими греческими художниками.
Художественное качество росписей находилось на втором плане. Важно, чтобы фигуры четко выделялись на фоне, контуры были уверенно очерчены, жесты преувеличены, краски усилены. Таким образом, этрусская живопись редко достигала высокого художественного уровня.
В I веке до н. э. древнеримская живопись отходит от этрусской традиции, с которой до этого времени была связана, и обращается к греческим образцам.
Памятников античной живописи уцелело значительно меньше, чем произведений архитектуры и скульптуры. Поэтому трудно переоценить значение настенных росписей и мозаик, найденных при раскопках Помпей, Геркуланума и Стабии. Живописных памятников в Риме и других городах немного.
Для людей того времени живопись являлась средством передачи образов, она стремилась к уравновешенности цветовых пятен, света и тени. То, что ее тематика сводилась к определенным образцам, часто воспроизводимым по памяти и с некоторыми отклонениями, вело к эскизности, беглости в работе и быстроте исполнения.
На вилле "Мистерий" близ Помпей великолепно сохранилось изображение, по всей вероятности, ритуального поклонения Дионису. Фигуры вырисовываются на фоне красной стены, которая подчеркивает их точные, ясные контуры. Но сам контур является не столько линией, нарисованной на поверхности стены, сколько границей между двумя цветовыми зонами. Для росписей характерно огрубление, натурализм образа, мало чем отличающегося от подобных образов этрусской живописи, в задачу беглой, обобщающей техники не входит непосредственное общение с изображаемыми предметами, контакт с реальностью.
Тайное распространение, а затем официальное признание христианства в Древнем Риме не привело к резкому преобразованию способов художественного выражения. Отсутствие собственно христианских изображений в первое время и частое обращение к классической иконографии объясняется сложностью и напряженностью общей обстановки в области культуры.
Выступая в качестве учения, обобщавшего и преодолевавшего две доктрины (эллинистическую и иудейскую), христианство должно было разрешить проблему изображения (эллинистическая тенденция) или отказа от изображения Бога (иудейская доктрина осуждает это как идолопоклонство).
Хорошо сохранились в темноте галерей росписи катакомб – подземных кладбищ. В тематике доминирует христианский эсхатологический мотив – представление о потустороннем мире; встречаются и классические темы. Позднее появляются изображения на библейские и евангельские темы. Что касается стилистических особенностей росписей, виден переход от эллинистического натурализма ко все более обобщенной, менее натуралистичной форме. В этом смысле живопись катакомб способствовала распаду классического искусства.
Одним из первых проявлений национального итальянского средневекового искусства стало творчество художников школы мозаичистов в Риме. Иконографические истоки долгое время остаются восточными, но важно, что в силу высокого драматизма они знаменуют собой отход от невозмутимо-бесстрастного константинопольского искусства. Контуры приобретают огромную выразительность, цвета сгущаются в плотные массы.
Стена и страница в книге представляют собой с точки зрения размеров максимальную и минимальную плоскости, на которые наносятся образы романской живописи; реже встречается живопись на досках.
На рукописной странице, на стене образ всегда лишен самоценности и никогда не выступает самостоятельно. Книга была доступна лишь немногим, и миниатюра скорей украшает ее, чем иллюстрирует. Миниатюра, выходившая за стены монастырских скрипториев, не только использовала восточные, византийские, иконографические темы. Художники стремились к усилению драматизма образов, придавали большое значение цвету.
Более народными по содержанию и исполнению представляются настенные росписи церквей. Художественная культура стремится к популяризации своего содержания, к воздействию на чувства и воображение верующих.
В процессе становления западноевропейской художественной культуры живопись, начиная с XIII века, играла все более заметную роль.
В общих чертах этот процесс состоит в эволюции живописи от изображения статичного образа к передаче действия, так как по ряду причин именно этот вид искусства оказался наиболее пригодным для художественного воплощения сюжета или какой-либо отвлеченной идеи. Все ускорявшемуся освобождению от засилья византийской культуры способствовало истощение возможностей ее дальнейшего развития.
Основная проблема заключалась в коренной ломке привычной структуры художественного образа. Ее впервые обозначил художник Ченни ди Пепо по прозвищу Чимабуэ. Линия у Чимабуэ ломается и вьется, активизирует ограниченные ею цветовые пятна. Фрески "Распятие" и "Успение Богоматери" до сих пор воспринимаются как одни из первых потрясающих драматичностью изображений в итальянском искусстве. Не просто освещение, а свечение изнутри подчеркивает страдания на лицах персонажей. Другие известные работы Чимабуэ – "Мадонна" (церковь Санта-Тринита), "Распятие святого Доминика".
Направление, которое развивал Чимабуэ, со временем было вытеснено другим, более важным, тесно связанным с исторической действительностью.
Выразителем этого направления стал Джотто. Джотто родился недалеко от Флоренции около 1266 года. Он был уже не просто искусным ремесленником, творящим в рамках традиции на благо высшей религиозной и политической власти, а исторической личностью, преобразующей концепции, методы, саму направленность искусства. При этом превозносится не только его мастерство художника, но и изобретательность, фантазия, своеобразный взгляд на природу, историю, жизнь. Петрарка отмечал, что красота искусства Джотто воздействует больше на ум, чем на глаз. Традиционно считается, что Джотто учился у Чимабуэ, но быстро превзошел и затмил славу своего учителя.
Росписи Верхней и Нижней церквей в Ассизи, посвященные житию Франциска Ассизского, – одна из известных работ Джотто, хотя некоторые искусствоведы оспаривают его авторство. Святой, предстающий в росписях – это не бедняк, не страждущий аскет, а человек, полный сознания собственного достоинства и нравственного авторитета.
Джотто избегает слишком динамических выражений страсти, но не становится бесстрастным. Он передает глубину переживаний в скупых пластических формулах. Самой полной художественной проникновенности достигает Джотто во фреске "Поцелуй Иуды". Это едва ли не первое и едва ли не лучшее в истории искусства изображение безмолвного поединка взглядов.
Влияние Джотто весьма скоро дает о себе знать во Флоренции. С его именем связаны имена его учеников и даже появление художественных школ (например, школа в Милане).
В начале XV века во Флоренции происходит столь же радикальный пересмотр концепции, методов и роли искусства, как и веком раньше, во времена Джотто. Зачинателями этого движения выступают архитектор Брунеллески, скульптор Донателло и живописец Мазаччо.
Гуманистическая мысль, важнейшей составной частью которой является искусство, вносит глубокие изменения в представление о пространстве и времени.
Формой передачи понятия пространства в произведении искусства становится перспектива, формой передачи последовательности событий является история.
Теоретическое обоснование законов перспективы принадлежит Альберти ("Трактат о живописи"). Изображать так, как мы видим, как "изображает" поверхность зеркала, – вот исходное стремление ренессансных художников, которое в то время было подлинным революционным переворотом. Среда пространственна, пространство имеет глубину, предметы в нем видятся в сокращениях.
"Трезвость" эстетики Ренессанса была изнутри романтической: она диктовалась не просто жаждой точного познания, но и жаждой совершенства, верой в его достижимость. Кватроченто выдвинуло таких художников, как Мантенья (падуанская школа), флорентинцы Андреа дель Кастаньо, Антонио Поллайоло, умбриец Лука Сиьорелли.
Картина Поллайоло "Святой Себастьян" – характерный пример экспериментирующей живописи. Художник одержим страстью исследования человеческой фигуры в различных положениях. Ренессансные мастера занимались всевозможными "формальными проблемами" очень усердно, нисколько этого не скрывая. Из этой концепции вытекало и то, что мы называем теперь "светским", "мирским" характером искусства, который, однако, не означал полной безрелигиозности.
Сандро Боттичелли считается последним из великих мастеров кватроченто. Он стремится к поиску того, что в равной мере отстояло бы и от природы, и от истории. Из-за постоянного стремления к неуловимой трансцендентности, Боттичелли вступает в противоречие с определенностью форм. В Риме художник выполняет три настенные росписи в Сикстинской капелле, по возвращении во Флоренцию пишет "Рождение Венеры", иллюстрирует "Божественную комедию" Данте.
XVI век был веком глубокого драматизма и контрастов. Это – век Реформации, тревожные поиски божественного начала в человеческой душе, выбор, определяемый ответственностью личности. Чинквенченто – синтез, итог, умудренная зрелость, сменившая разбрасывающуюся любознательность раннего Ренессанса.
Важное место в культуре Возрождения в это время заняла Венеция. Нельзя представить себе итальянский Ренессанс без живописи Джорджоне и Тициана; искусство Венеции представляет особый вариант развития самих принципов художественной культуры Возрождения.
Без сомнения, достаточно всего трех имен, чтобы понять, какой вклад внесла Италия в культуру Высокого Ренессанса. Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело. О всеобщем преклонении перед прославленными мастерами может свидетельствовать тот факт, что величайшие гении эпохи получили у современников наименование divino – божественных. Они были во всем несходны между собой, хотя судьбы их имели много общего: все трое сформировались в лоне флорентинской школы, а потом работали при дворах меценатов, главным образом пап; их пути часто перекрещивались, они выступали как соперники, относились друг к другу неприязненно, почти враждебно. У них были слишком разные художественные и человеческие индивидуальности.
Леонардо да Винчи родился в 1452 году. Рано проявившаяся у мальчика одаренность побудила отца отдать его в обучение к одному из самых известных во Флоренции мастеров – скульптору, живописцу Андреа Вероккьо. В 1472 году Леонардо записался в качестве мастера в цех живописцев. Однако флорентийская среда вскоре стала казаться художнику тесной, не способствующей вдохновению. В 1482 году он уезжает в Милан, там начинает расписывать церкви, создает "Мадонну в скалах", "Тайную вечерю".
Леонардо жил в Мантуе, Венеции, Риме, Франции. Среди самых его известных работ можно назвать такие: "Благовещение", "Мадонна Бенуа", "Мадонна Литта", "Дама с горностаем" и, конечно же, "Джоконда" (1503). Умер Леонардо в 1513 году во Франции.
Рафаэль на 30 лет моложе Леонардо да Винчи. Он учился у умбрийского мастера Перуджино. Как и да Винчи, Рафаэль был очень разносторонним человеком. Но доныне его знают больше всего как создателя дивных "Мадонн": "Мадонна Конестабиле", "Мадонна со щегленком", "Сикстинская мадонна", "Мадонна в зелени" и другие написаны им.
Третья вершина Ренессанса – Микеланджело Буонаротти. Более всего, конечно, он был ваятелем. Он прошел школу у Бертольдо, но, несмотря на учебу, Микеланджело можно считать самоучкой. Искусство он воспринимал как "неистовство души". Но источником вдохновения для него, в отличие от Леонардо, служила не природа, а культура как история человеческой духовности. Очень известны росписи Сикстинской капеллы, сделанные Микеланджело.
Связь и противоположность между двумя гениями, Леонардо да Винчи и Микеланджело, можно выразить так: первый олицетворяет собой чувство природы, благодаря которому мы ощущаем, что ритм нашей жизни бьется в унисон с ритмом Вселенной; второй – нравственное чувство, благодаря которому мы стараемся отделить от природы духовное бытие.
Одним из величайших художников венецианского Возрождения стал Тициан Вечеллио.
В представлении о гармонической красоте и совершенстве человека Тициан первоначально во многом продолжает традиции своего предшественника и старшего современника Джорджоне. Но впоследствии художник также вносит новые и очень существенные оттенки в понимание красоты человека, в эмоционально-образный строй венецианской живописи.
Герои Тициана, менее утончены, чем герои Джорджоне, менее загадочны, более приземлены, но и более полнокровно активны, более целостны, в большей мере проникнуты "языческим" началом. "Любовь земная и небесная", "Флора" – произведения безмятежные по настроению, глубокие по краскам. Этого спокойствия и созерцательности нет в "Вознесении Богоматери" ("Ассунте"), "Кающейся Марии Магдалине". С появлением Тициана живопись впервые становится не просто безучастным или взволнованным описанием, но и живым куском жизни, пульсирующим свидетелем пережитого.
Период, который называется барокко, можно определить как период культурной революции во имя идеологии католицизма. Культура воспринималась как путь к спасению, поэтому любая деятельность (и художественная в том числе) имела религиозную цель.
Барокко приходит на смену маньеризму – направлению в европейском искусстве, отразившему кризис гуманистической культуры Возрождения. Маньеризм выражается в вышедшей на первый план оригинальности, манерной изощренности формы, преувеличенной экспрессии, запутанности аллегорий, вольным обращением с правилами перспективы. Теряется интерес к природе и окружающей жизни, но отточенное мастерство художников, внешне следовавших за мастерами Высокого Возрождения, сомнению не подлежит.
Программа Барокко возобновляет, переоценивает и обновляет классическую концепцию искусства как мимесиса, или подражания. Искусство – это представление, но цель его не только узнать изображаемый предмет, но и взволновать, потрясти, убедить. Являясь продуктом воображения, искусство задается целью создать реальный образ ирреального. Именно необходимости правдоподобно и детально изобразить то, что рождено воображением, обязана своим происхождением жанровая живопись. Вначале она просто противопоставлялась исторической, но потом выделились различные жанры.
В итальянском Барокко выделяют два направления, основанные последователями двух художников XVI века: Караваджо и Карраччи.
Реалистическая реформа Караваджо заключается в том, что воображение ставится выше реальности, но отталкивается от нее, правдоподобие превосходит правду, но опирается на нее. Жанрами, рожденными этой реформой, считают натюрморт и сцены народного быта. Среди последователей Караваджо можно назвать Джентилески, Борджанни, Манфреди, Гвидо Рени.
В представлении сторонников Карраччи идеал – образец для подражания, а образцом чаще всего был Рафаэль, в котором восхищает гармония, отсутствие напряжения. Классицизм Карраччи сведен до Аркадии, что заметнее всего в творчестве Альбани. Наиболее талантливыми художниками этого направления были Лафранко, Корреджо, Гверчино.
В Неаполе и во всей Италии с начала XVIII века много говорили о Луке Джорджано, поднявшем волну барочной декоративности, поставившем поразительное ремесло на уровень высокой культуры. Венеция сохраняет даже еще больше, чем Неаполь, художественное наследие Джорджано. Себастьяно Риччи был первым в отряде «виртуозов», исполнителей самого высокого класса, разъезжавших по Европе: Пеллегрини, Амигони, Питони, Балестра и других.
В это же время расцветает искусство венецианского пейзажа-ведуты. Оно даже превосходит границы жанра и включается в ткань просветительской культуры, обращенной к прояснению сути мышления. Искусство ведуты, требующее контроля разумом, противостоит декоративной живописи, достигающей чисто внешнего эффекта. Сценическому пространству картины придается рациональная правдивость, отсутствие фальши, ухищрений барочной перспективы. Самым блестящим представителем этого жанра признан Каналетто; можно отметить и Беллотто, Гварди, Тьеполо.
Многие художники, такие как Либорио Коччетти, Феличе Джане стали первыми из тех, кто начал упрощать классические темы, опуская их до вкусов среднего обывателя, создавая, иногда с вдохновением и всегда с легкостью, "пиршества богов" для столовой, "Рождение Венеры" для ванной комнаты и так далее.
Андреа Аппиани – самый прославленный живописец итальянского неоклассицизма. Он был скорее поклонником Возрождения, чем классицистом. Могут вызывают восхищение его фрески в церквях, выполненные на одном дыхании, но лишенные всякой оригинальности. Наполеон сделал художника своим придворным живописцем, однако его простодушная риторика превратилась в лесть и официальное прославление (картины "Солнечная колесница", "Триумф Наполеона"). Плохая живопись была дурным знаком истории: Италия ставилась, и на долгие годы, вне истории.
В историческом развитии романтизма итальянская живопись занимает второстепенное, периферийное место. Итальянской культуре, существовавшей в разделенной и в большей части зависимой стране, было трудно осознать единство национального этноса. Идеал свободы был услышан немногими и сурово подавлен правителями.
Признанным главой живописи романтизма стал венецианский художник Франческо Айес, повторяющий схемы французской и английской исторической живописи, имитирующий "национальное" содержание ("Сицилийская вечерня"), и ищущий возможность оживить академический рисунок цветовыми акцентами, робко заимствованными у Тициана.
Из художественных течений итальянского искусства XIX века наиболее значительным стал "маккьяйолизм" (maccia – пятно), возникший во Флоренции в середине века. Теория "пятна" хронологически предшествует теории импрессионистов, приближается к ним.
Лидер этой группы – Джованни Фаттори. Его рисунок был не академическим, а более неопределенным и уклончивым. Целью последних ломбардских художников было создать программно оформленный современный язык для выражения традиционного содержания.
Однако живопись модерна была более доступной, чем возвращение к античному языку. После Фаттори направление маккьяйоли быстро исчерпало себя.
Такие художники, как Балла, Боччони, Карра, Северини были в первых рядах футуристического авангарда, который в 1910 году определяется как первое современное итальянское художественное направление общеевропейского уровня.
Наиболее яркие произведения итальянской литературы принадлежат перу представителей эпохи Возрождения. К знаменитой плеяде титанов относят: Алигьери, Петрарку, Бокаччо, Буркьелло, Ариосто, Микеланджело, Макиавелли, Аретино, Дж. Бруно и т.д.
Знаменитый итальянский писатель, автор таких произведений, как трактаты "Пир", "О народной речи", "О монархии", цикла баллад (например "Песни о Робин Гуде") и, наконец, центрального произведения своей жизни – "Божественной комедии". Основная идея данного шедевра слышится в каждой из песен, составляющих его, и выражается в победе гуманизма нового времени над мрачной церковной моралью средневековья.
Петрарка – один из самых известных итальянских писателей эпохи Возрождения, глава старшего поколения гуманистов. После смерти родителей он получил духовное звание и поступил на службу к кардиналу, которую оставил в 1337 году, а потом удалился в небольшое итальянское селение, где провел в тишине и уединении четыре года. Здесь он начал писать латинскую поэму "Африка" (1338 -1342 гг.), воспевающую деяния римского полководца Сципиона Африканского. Там же написаны многие из его лучших стихотворений, посвященных Лауре, с которой он впервые встретился в 1327 году.
В 1341 году Петрарка по обычаю поэтов древности коронуется лавровым венком на Капитолии в Риме и с этого времени становится признанным главой литературного мира Италии. Слава его выходит далеко за пределы родины. Его внимания домогаются многие итальянские и иноземные государи. Папа дает ему дипломатические поручения и осыпает его милостями, что не мешает Петрарке в ряде сонетов, в эклогах и письмах беспощадно бичевать пороки папской курии.
К 1342 -1343 гг. относится его знаменитый трактат, написаный в диалогической форме, – "Тайна", или "О презрении к миру" ("De contemptu mundi"), раскрывающий внутренний мир Петрарки с его душевным разладом, метанием от нового к старому и его неспособности заглушить в себе средневекового человека.
Величайшим созданием Петрарки явилась, однако, книга лирики на итальянском языке, известная под названием "Il Canzoniere" ("Книга песен") – собрание стихотворений: сонетов, канцон и др., посвященных Лауре. Эта книга создала Петрарке заслуженную славу одного из величайших лириков европейской литературы.
Сонет (218)
Меж стройных жен, сияющих красою,
Она царит – одна во все вселенной,
И пред ее улыбкой несравненной
Бледнеют все, как звезды пред зарею.
Амур как будто шепчет надо мною:
Она живет – и жизнь зовут бесценной;
Она исчезнет – счастье жизни бренной
И мощь мою навек возьмет с собою.
Как без луны и солнца свод небесный,
Без ветра воздух, почва без растений,
Как человек безумный, бессловесный,
Как океан без рыб и без волнений,
Так будет все недвижно в мраке ночи,
Когда навек закроет очи.
Сонет (169)
Задумчивый, надеждами томимый,
брожу один, стараясь стороной
всех обходить – за исключеньем той,
кого в душе зову своей любимой,
тогда как от нее, неумолимой,
бежать бы мне, бежать, пока живой:
она, быть может, друг себе самой,
а нам с Амуром враг непримиримый.
И вот она идет, и, если я
не ошибаюсь, светом состраданья
Боккаччо – великий итальянский писатель гуманист, побочный сын флорентийского купца. Отец старался сделать из него коммерсанта. Боккаччо же влекло к науке и литературе. Переехав во Флоренцию, он со временем занял видное общественное положение.
У Боккаччо были теплые отношения со многими учеными тогдашней Италии, особенно тесная дружественная связь у него установилась с Петраркой.
Наиболее значимые его произведения: роман "Филоколо", поэма "Теизида", пастораль "Амето", психологическая повесть "Фьяметта", трагическая пастораль "Фьезоланские нимфы" и, наконец, книга новелл "Декамерон" (1350-1353) – вершина творчества писателя, одно из ярчайших созданий европейской литературы.
Ариосто по воле отца (коменданта крепости в Реджо) посвятил себя изучению права, но вскоре оставил юриспруденцию и занялся литературой. Рано обнаружил творческие способности: писал стихотворения на итальянском и латинском языках, комедии.
Главное создание Ариосто – поэма в октавах "Неистовый Роланд" ("Orlando furioso", 46 песен), над которой он работал 25 лет. Ариосто оставил еще ряд стихотворений, 7 сатир в духе Горация и несколько "ученых комедий" в манере Плавта и Теренция, сыгравших очень большую роль в истории итальянской гуманистической драмы. Ариосто явился родоначальником итальянской комедии и оказал значительное влияние на комедиографов последующих периодов.
Великий ваятель, живописец и зодчий, являлся также замечательным поэтом.
Будучи последователем Петрарки, он с годами все дальше отходил от претенциозной галантности модных в то время петраркистов. Большая мысль и большое чувство, могучая и смелая образность, а также скорбный, подчас гневный взгляд на окружающий мир сближают поэзию Микеланджело с его титаническими творениями в области ваяния и живописи. Характерно, что он необычайно высоко ценил и страстно любил Данте, посмевшего в "Божественной комедии" вершить грозный суд над царством неправды, зла и порока. Многие стихотворения Микеланджело связаны с его скульптурными работами.
* * *
Один пылаю в бесконечной мгле,
Когда лучи закатные померкнут,
И, скорбью – не в пример другим – повергнут,
В слезах ропщу, простертый на земле.
* * *
Молчи, прошу, не смей меня будить,
О, в этот век, преступный и постыдный,
Не жить, не чувствовать – удел завидный...
Отрадно спать, отрадней камнем быть.
Выдающийся флорентийский писатель и политический деятель.
Родился во Флоренции в семье юриста. Выполняя дипломатические поручения в различных городах Италии и за ее пределами, Макиавелли хорошо изучил политические обычаи и нравы своего времени. Среди его сочинений на исторические и политические темы наибольшую известность приобрел трактат "Князь", или "Государь" ("Il principe", 1513 г.).
Полагая, что только сильная, неограниченная власть может принести пользу государству, Макиавелли готов оправдать любые средства, если только они служат пользе. Макиавелли был также поэтом, новеллистом ("Бельфагор") и комедиографом ("Мандрагора", 1514 г.).
Джордано Бруно – великий ученый и мыслитель, страстный борец с феодально-католическим догматизмом, сожженный на костре в Риме папской инквизицией.
Развивая теорию Коперника, Бруно утверждал, что Вселенная бесконечна, что наряду с нашей Солнечной системой в ней существует множество других миров, что материальный состав Вселенной един. Бруно стремился освободить науку от пут теологии, отстаивал свободу научных и творческих начинаний.
Свои мысли Бруно облекал в форму диалогов, аллегорий и стихотворений, стремясь сделать их более доступными широкому кругу читателей. Значительную роль в его творениях играет сатирический, публицистический элемент (диалог "Тайна Пегаса с приложением Килленского осла", комедия "Подсвечник").
Сонет (17)
Тот бог, что мир громами сотрясает,
К Данае сходит золотым дождем,
Он Леду видом лебедя прельщает,
Он Мнемозину ловит пастухом,
Драконом Прозерпину обнимает,
А сестрам Кадма предстает быком.
Мой путь иной: едва лишь мысль взлетает,
Из твари становлюсь я божеством.
на этот раз наполнен гордый взгляд.
И тает робость вечная моя,
и я почти решаюсь на признанья,
но вновь уста предательски молчат.
Сатурн был лошаком, Нептун – дельфином,
Лозою – Вакх, а бог богов – павлином,
Был вороном пресветлый Аполлон,
Был в пастуха Меркурий превращен,
А у меня – обратная дорога:
Меня Любовь преображает в бога!
Таким образом, эпоха титанов в Италии показывает, что тогда не было почти ни одного крупного человека, который не совершил бы далеких путешествий, не говорил бы на четырех или пяти языках, не блистал бы в нескольких областях творчества. Достаточно вспомнить Леонардо да Винчи, который был не только великим живописцем, но и великим математиком, механиком и инженером, совершившим самые разнообразные открытия в области физики. Это время было овеяно духом бунтарей и смелых искателей приключений.
Европейская литература ХХ века обогатилась новыми яркими художественными произведениями, явившимися отражением новой социокультурной ситуации, сложившейся в Европе. Мировые войны, которые тяжелым катком прошлись по Западной Европе, изменили традиционные представления о гуманизме, человеке, добре и зле. Многомиллионные человеческие жертвы, разрушение бесценных материальных и духовных ценностей подорвали веру в разум, в разумные онтологические основы мира и привели к глобальной "переоценке ценностей".
В западноевропейской литературе творила целая плеяда писателей большого таланта, которые проявили себя еще в ХIХ столетии.
Во Франции – П. Клодель, Ш. Пеги, А. Франс, Р. Роллан, вИталии – Л. Пиранделло, Г.Д. Аннунцио, Д. Кардуччи (Нобелевская премия 1906 года).
Итальянская поэзия, подобно итальянскому искусству, в начале ХХ века испытала на себе влияние футуризма – движения, стремившегося отразить новые реалии современной жизни.
У его истоков (1909) стоял поэт Филиппо Томмазо Маринетти.
Футуризм привлек немногих видных итальянских поэтов, но оказал глубокое влияние на духовную жизнь страны. Впрочем, выдающийся поэт Италии ХХ века Сальваторе Квазимодо не имел ничего общего с футуризмом. Его "герметическая" поэзия воплощала глубоко индивидуальное начало и отличалась высоким мастерством, изящным стилем, отражающим лиричность поэтического вдохновения.
Другие признанные представители герметизма в поэзии – Джузеппе Унгаретти и Эудженио Монтале. Квазимодо был удостоен Нобелевской премии по литературе в 1959, а Монтале – в 1975. Более молодые поэты, завоевавшие признание после Второй мировой войны, – Пьер Паоло Пазолини, Франко Фортини, Маргерита Гуидаччи, Рокко Скотелларо, Андреа Дзанотто, Антонио Ринальди и Микеле Пьерри.
Характерной чертой театрального искусства в начале ХХ века в Италии и во всей Европе является создание народных театров. Такой театр должен был стать мощным средством преодоления разрыва между культурной элитой и народом.
Примером сочетания классики и массовости являются зрелищные мероприятия, практикуемые в Италии: в развалинах древнеримских сооружений, например в термах Каракаллы проходят поражающие своей грандиозностью постановки классических итальянских опер на античные сюжеты ("Аида" Дж. Верди).
Киноискусство Италии подарило человечеству удивительные кинопроекты, замечательных кинорежиссеров и актеров мирвого уровня.
Первые итальянские фильмы "Прибытие поезда на Миланский вокзал", "Умберто и Маргарита Савойские на прогулке в парке" были сняты в 1885 году.
Однако годом рождения итальянского кино считается 1904, когда в Турине была создана первая в Италии киностудия хроникально-документальных фильмов. И почти одновременно появились первые кинофирмы, выпускавшие художественные картины на исторические и литературные сюжеты, а также комедии и мелодрамы.
В 1912 -1913 гг. Италия занимает положение ведущей кинематографической державы. Это годы наибольшего расцвета итальянского немого кино. Однако взлет его был стремительным и недолгим.
К 1914 -1915 гг. оно уже пережило свой "золотой век", ошеломив не только итальянского, но и зарубежного зрителя красотой первых кинозвезд, уморительными "Похождениями Критинетти" в исполнении французского комика А. Дида, роскошью и постановочными эффектами таких псевдоисторических колоссов из времен Древнего Рима, как "Камо грядеши" Э. Гуаццони или "Кабирия" Дж. Пастроне. Эти и подобные им фильмы, пользовавшиеся огромным коммерческим успехом, совершенно заслонили по-настоящему значительные картины – "Затерянные во мраке" Н. Мартольдо и "Ассунта Спина" Г. Серены, которые стали первыми вехами на пути итальянского реалистического киноискусства.
Кризис кинематографии начался одновременно со вступлением страны в первую мировую войну, а после установление фашистской диктатуры в 1922 году итальянские фильмы исчезли с мирового экрана более чем на 20 лет, превратились в факт "местного значения".
Большинство режиссеров снимали псевдоисторические боевики, комедии, салонные мелодрамы из жизни высшего света. И только перед самой второй мировой войной и во время войны стали появляться такие правдивые, искренние картины, такие как "Плач христовых невест" Д. Поцци-Беллини, "Четыре шага в облаках" А. Блазетти, "Одержимость" Л. Висконти, "Дети смотрят на нас" В. Де Сики. Эти картины предвещали приход неореализма.
Неореализм стал самым значительным явлением в итальянской художественной культуре 40-50-х гг., оказавшим влияние на развитие всего послевоенного кинематографа.
Возникнув на волне Сопротивления, в обстановке подъема демократического движения, неореализм объединил самых разных кинематографистов, но в первую очередь молодых, по большей части дебютантов, единых в ненависти к фашизму, в стремлении правдиво рассказать о настоящей жизни Италии и ее народа.
Манифестом нового итальянского кино стал фильм Роберто Росселлини (1906-1977) "Рим – открытый город", пронизанный духом антифашистского единства и пафосом художественного открытия реальной Италии.
Первые фильмы неореализма ("Пайза" Р. Росселлини, "Солнце еще всходит" А. Вергано) черпали сюжеты и образы в движении сопротивления. Следующие за ними – "Трагическая охота", "Горький рис", "Нет мира под оливами", "Рим, 11 часов" Дж. Де Сантиса, "Похитители велосипедов", "Шуша", "Умберто Д" Де Сики, "Земля дрожит" Л. Висконти и др. – рассказывали о проблемах безработицы, нищеты, социальной несправедливости и послевоенной разрухи.
Те же проблемы ставились и в неореалистических комедиях типа "Полицейские и воры" Стено и М. Моничелли, "Два гроша надежды" Р. Кастеллани, в сатирической киносказке Де Сики – "Чудо в Милане". Но типичные бытовые и даже трагические мотивы получали в них оптимистическое звучание, в духе жизнеутверждающих традиций народного искусства.
Неореализм произвел подлинную революцию в итальянском киноискусстве.
На экраны Италии хлынула настоящая жизнь. Впервые трудящиеся массы узнавали в киногероях себя, в их проблемах – свои проблемы, увидели страшную правду: голод, безработицу, нищету, а вместо рекламных италийских пейзажей – трущобы бедняцких кварталов.
Провозгласив принцип достоверности, режиссеры вышли из павильонов. Фильмы снимались на натуре: на улицах, в разоренных деревнях, на рабочих окраинах. В некоторых из них вместо профессиональных актеров играли рабочие и крестьяне, сюжетами служили истинные происшествия, факты из газетной хроники.
Последовательным сторонником такого документального стиля был писатель и сценарист Ч. Дзаваттини.
Однако не все режиссеры строго придерживались этого принципа. Так, Джузеппе Де Сантис, один из "отцов" неореализма, допускал и выдуманный сюжет, и вымысел, и увлекательную интригу. Почти все его ранние фильмы построены на детективной основе. При всем разнообразии творческих стилей, мировоззрения, культурного и политического опыта режиссерам было свойственно и то общее, что делало их неореалистами: правдивое воссоздание современной действительности, антибуржуазная направленность, интерес к народной жизни, судьбе простого человека, большая или меньшая степень документализма.
 |
Джульетта Мазина |
Неореализм произвел революцию не только в тематике и поэтике итальянских картин, но и в манере актерской игры.
С этого времени ведет свою историю и современная школа киноактера, отличающаяся естественной и эмоциональной манерой исполнения.
Мировую славу по праву заслужило искусство А. Маньяни (1908-1973), выдающейся актрисы итальянского театра и кино, Э. Де Филиппо, не только актера, но и прославленного драматурга и режиссера, М. Джиротти, Р. Валлоне, Дж. Мазины, С. Мангано, А. Фабрици, одного из замечательных комиков – Тото. Они правдиво воплотили на экране национально-народные характеры, создали незабываемые образы простых итальянцев.
Неореалисты заложили фундамент здания современного итальянского кинематографа, однако процесс развития традиций неореализма не был простым.
Начало 50-х. гг. в Италии – время политического и экономического кризиса, наступления католической реакции. И хотя в стране продолжалось демократическое движение, часть итальянских художников, разочаровавшись в надеждах на прогрессивные преобразования общества, отошли от активной гражданской позиции.
Некоторые режиссеры продолжали работать в традициях классического неореализма. Но в новых условиях их фильмы утеряли тот революционный порыв, которым были пронизаны первые неореалистические ленты. Кроме того, итальянские власти развернули кампанию по борьбе с неореализмом. Они преследовали прогрессивных деятелей кино, организовали массовое производство фильмов-подделок, копировавших внешнюю форму неореалистических картин, но лишённых их социального, критического содержания.
|
Фредерико Феллини |
Поиски новых путей развития итальянского кино в 50-е гг. шли по пути углубления анализа отношений между людьми, отчужденности человека в современном мире. К этой теме обращаются и уже признанные классики – Р. Росселлини и Л. Висконти, и дебютировавшие в начале 50-х М. Антониони и Ф. Феллини – будущие крупнейшие мастера мирового кино, с творчеством которых связан следующий этап не только итальянского, но и мирового киноискусства в направлении философского, поэтического кинематографа.
Именно в этих картинах отразилась одна из ведущих тенденций западноевропейского кинематографа конца 50-х – середины 60-х гг. – исследование психологии современного человека, социальных мотивов его поведения, причин смятения чувств и разобщенности между людьми. Об этом фильмы Феллини: "Дорога", "Маменькины сынки", "Ночи Кабирии", "Сладкая жизнь", "Восемь с половиной"; картины Антониони: "Хроника одной любви", "Крик", так называемая "трилогия одиночества и некоммуникабельности" – "Приключение", "Ночь", "Затмение"; первая цветная картина режиссера "Красная пустыня".
Конец 50-х – 60-е годы – период преодоления экономического кризис, годы так называемого бума, "экономического чуда". Итальянская кинематография вновь набирает силу: ее экономическая мощь выражается в рекордных цифрах годового производства картин. Это время дебютов, расцвета творчества ведущих мастеров, появления новых жанров.
Многие режиссеры вновь возвращаются к антифашистской тематике, пытаясь глубже осмыслить недавнее прошлое. В таких картинах, как "Генерал Делла Ровере" Росселлини, "Долгая ночь1943 года" Ф. Ванчини, "Четыре дня Неаполя" Н. Лоя, вновь оживают лучшие традиции неореализма.
Но главными становятся остросоциальные ленты, посвященные современности. Это уже упоминавшиеся картины Феллини и Антониони, в которых общество "всеобщего благоденствия" оказывается обществом всеобщей разобщенности и бездуховности. Это один из лучших фильмов Висконти – "Рокко и его братья", рассказывающий о трагической судьбе крестьянской семьи, перебравшейся в город. И, наконец, две первые картины П.П. Пазолини "Нищий" и "Мама Рома", открывающие новую страницу в истории итальянского кино, связанную с творчеством прославленного режиссера, поэта, писателя, ученого и публициста, которые пришел со своей особой темой, удивительно эмоциональным и выразительным языком, трагически-противоречивым, мятежным мироощущением.
Еще одна характерная тенденция прогрессивного итальянского киноискусства тех лет – сатирическое разоблачение пороков буржуазного общества периода бума. Она проявилась в лучших образцах "комедии по-итальянски" или сатирической комедии нравов, ставшей классическим жанром итальянского кино.
"Бум", "Брак по-итальянски" Де Сики, "Обгон" Д. Ризи, "Развод по-итальянски", "Соблазненная и покинутая", "Дамы и господа" П. Джерми – наиболее характерные образцы этого жанра.
Галерею сатирических портретов обывателей, мелких буржуа талантливо воплотили актеры А. Сорди, У. Тоньяцци, В. Гасман, Н. Манфреди. Большим успехом пользовался дуэт С. Лорен и М. Мастроянни. Актер огромного творческого диапазона, Мастроянни сыграл сотни ролей – от комических и гротесковых до философских и психологических – в самых прославленных итальянских лентах 60 -70-х гг.
В конце 60-х начале 70-х гг. наметилась общая тенденция к политизации искусства в связи с обострением политической борьбы, успехами левых сил, молодежного движения протеста, всколыхнувшего высь западный мир.
В картинах Пазолини, Б. Бертолуччи, Ф. Рози, М. Белоккьо, В. и П. Тавиани еще ранее были затронуты темы молодежного протеста против буржуазного общества, тема народной революции, разрабатывались новые принципы изображения: документализм в сочетании с метафорой, обобщением, символикой.
В кон. 60-х.гг. начали складываться основные жанры и направления политического кино, которое в Италии достигло наивысшего расцвета в первой половине 70-х гг.. Антифашистская направленность, критический социальный настрой сближают политической кино с произведениями неореализма.
Вместе с тем политическое кино продолжало разоблачение пороков буржуазного общества, начатое сатирической комедией нравов. Но теперь внимание его создателей сместилось с социально-этической проблематики в сторону критики политических институтов.
К ведущим жанрам политического кино относятся: детектив, рассказывающий о судебных преступлениях и коррупции государственного аппарата ("Признание полицейского комиссара прокурору республики", "Следствие закончено – забудьте" Д. Дамиани, "Дело Маттеи", "Сиятельные трупы" Рози, "Сто дней в Палермо" Д.Феррары); антифашистские фильмы ("Убийство Маттеотти" Ванчини, "Конформист" Б. Бертолуччи, "Площадь Сан-Бабила, 20 часов" К. Лидзани, "Мы так любили друг друга" Э. Сколы).
К жанру политического кино относятся также историко-революционные фильмы типа "Аллонзанфан" братьев Тавиани, фильмы о революционном рабочем движении – "Сакко и Ванцетти" Д. Монтальдо, "Тревико-Турин" Сколы.
Один из ведущих жанров политического кино – политическая комедия или политический памфлет: "Хотим полковников!" М. Моничелли, "Следствие по делу гражданина вне всяких подозрений", "Собственность больше не кража" Э. Петри и др. В них шаржированное изображение режима и его представителей сочетает реализм с условностью и гротеском. В политических фильмах по-новому раскрылся талант таких актеров, как Дж.М. Волонте, Л. Вентура, Ф. Неро, М. Плачидо.
Интерес к политике сказался и в творчестве Л. Висконти, Антониони, Феллини. Одной из главных тем фильма Антониони "Забриски-пойнт" становится молодежное движение протеста, а в фильме "Профессия: репортер" поставлен вопрос о месте человека в современных политических событиях. "Гибель богов" Висконти сегодня уже стал классикой антифашизма, а в "Репетиции оркестра" - в аллегорической форме воссоздает политическую ситуацию в нынешней Италии.
С середины 70-х гг. начинается кризис итальянского кинематографа. Резко снижается посещаемость кинотеатров, кино не выдерживает конкуренции с телевидением, кинопроизводство попадает во все большую зависимость от иностранного, прежде всего американского, капитала, резко возрастает число коммерческих чисто развлекательных картин.
Нестабильность политической жизни, постоянные правительственные кризисы, разгул терроризма и неофашизма – все это не может не отражаться на настроении и тематике картин. Для этого периода итальянского кино характерен отход от откровенно политической проблематики, от эстетического документализма, на смену которым приходит стремление к философским и социальным обобщениям, углубленный психологический анализ, интерес к жанру притчи.
На экранах демонстрируются фильмы, изображающие сложные, подчас болезненные явления в жизни общества. Но в эти годы был создан и целый ряд картин, в которых критика капиталистической действительности прозвучала не менее остро, чем прежде. Уровень итальянской кинематографии в целом оказался высоким. Свидетельство тому – последние ленты Антониони и Феллини, картины так называемого "среднего поколения" режиссеров: Бертолуччи, братьев Тавиани, Рози, Скола и других.
Такие фильмы, как "XX век" Бертолуччи, "Отец-хозяин", "Ночь святого Лоренцо", "Хаос" братьев Тавиани, "Дерево для башмаков" Э. Ольми, "Фонтамара" Лидзани, говорят о том, что режиссеры не утратили веру в возможность позитивных перемен, в силы, способные эти перемены осуществить. В названных картинах ставятся проблемы народной революции, оживают лучшие традиции неореализма, предпринимаются интересные попытки дальнейшего развития языка кино.
Обнадеживающим являлось творчество режиссеров, дебютировавших в конце 70-х – начале 80-х гг.: Дж. Бертолуччи ("Я люблю тебя, Берлингуэр", "Секреты, секреты"), М.Т. Джордана ("Я люблю вас, проклятые", "Падение восставших ангелов"), Дж. Амелио ("Удар в сердце"), Н. Моретти ("Эчче Бомбо", "Золотые сны", "Бьянка", "Месса окончена"), комедиографов Р. Бениньи и М. Троизи, в фильмах которых реалистическое бытописание сочетается с эксцентрикой и бурлеском.
Все эти картины, разные по манере, стилистике, жанрам и на первый взгляд камерные, отличаются острым чувством современности, поисками нового стиля и языка, продолжают лучшие традиции итальянского киноискусства.
 |
Лучано Паваротти |
Итальянское музыкальное искусство достигло высшей точки своего развития прежде всего в опере.
Вероятно, первой оперой была "Дафна" Якопо Пери, написанная в 1594 году. Вместе с другой оперой Пери – "Эвридика" – она послужила стимулом для творчества великого Клаудио Монтеверди, прославившегося тогда своими знаменитыми мадригалами.
В "Орфее" Монтеверди впервые создал истинно современную музыкальную драму. С этого времени опера на протяжении более 100 лет являлась господствующей формой музыкального искусства в Европе, причем тон задавали именно итальянские композиторы.
Итальянская опера достигла расцвета в ХIХ веке.
Великими композиторами в начале этого столетия были Джоаккино Россини, прославившийся "Севильским цирюльником" и "Семирамидой", и его современники Гаэтано Доницетти и Винченцо Беллини.
В середине ХIХ века начался новый подъем оперной музыки.
Джузеппе Верди продемонстрировал мастерство в таких драматических шедеврах, как "Риголетто", "Травиата", "Аида" и "Отелло".
 |
Монсеррат Кабалье |
В конце ХIХ – начале ХХ века реализм в опере достигает высшей стадии развития в произведениях Пьетро Масканьи ("Сельская честь"), Руджеро Леонкавалло ("Паяцы"), Умберто Джордано ("Андре Шенье") и Джакомо Пуччини ("Богема", "Тоска", "Мадам Баттерфляй").
Хотя итальянцы до сих пор отдают предпочтение знаменитым операм прошлого, постепенно растет популярность современных произведений.
Среди лучших оперных композиторов ХХ века отметим Ильдебрандо Пиццетти ("Клитемнестра" и "Ифигения"), Франко Альфано ("Доктор Антонио" и "Сакунтала"), Пьетро Каноника ("Коринфская невеста" и "Медея"), Луиджи Даллапиккола ("Узник") и Гоффредо Петрасси ("Кордовано").
 |
Энрико Карузо |
Всемирную известность приобрели "Театро дель опера в Риме" и "Ла Скала" в Милане, где ставятся оперные спектакли. Наряду со многими оперными театрами Италии они субсидируются государством.
Великолепные оперные сезоны проходят в Неаполе, Палермо, Венеции, Флоренции, Болонье и Турине. В летнее время спектакли на открытом воздухе устраивают в Термах Каракаллы в Риме, на древнеримской арене в Вероне, в замке Сфорца в Милане, на о. Сан-Джорджо в Венеции и в "Театро Медитерранео" в Неаполе.
Италия дала миру многих выдающихся оперных певцов, включая теноров Энрико Карузо, Беньямино Джильи, Тито Скипа, Марио дель Монако, Карло Бергонци и Лучано Паваротти; баритонов Антонио Скотти, Тито Гобби и Джузеппе Таддеи; басов Эцио Пинца и Чезаре Сьепи; сопрано Аделину Патти, Амелиту Галли-Курчи, Ренату Тибальди, Ренату Скотто и Миреллу Френи; меццо-сопрано Чечилию Бартоли.
Итальянцы проявили музыкальные таланты не только в оперном искусстве. Они выступили как новаторы и в других областях музыки.
В ХI веке монах Гвидо Д'Ареццо изобрел систему нотного письма (включая знаки ключей), ставшую предшественницей современной музыкальной грамоты.
Развитию инструментальной музыки на Западе весьма способствовало творчество композитора эпохи Возрождения Андреа Габриели и его племянника Джованни Габриели.
В XVII веке Джироламо Фрескобальди обогатил органную музыку.
Арканджело Корелли и Антонио Вивальди были создателями музыкального жанра кончерто гроссо, Алессандро Скарлатти заложил гармонические основы симфонической музыки, а его сын Доменико Скарлатти был одним из основоположников виртуозной игры на клавесине.
В современной музыкальной жизни яркую роль сыграли итальянские дирижеры.
Артуро Тосканини и Виктор де Сабата вошли в число выдающихся дирижеров первой половины ХХ века. В 1992 году три из пяти самых престижных дирижерских постов занимали итальянцы: Клаудио Аббадо в Берлине, Риккардо Кайли в Амстердаме и Риккардо Мути в Филадельфии. Вершины этой профессии достиг Карло Мария Джулини (р. 1914).
 |
Гуччи |
Современная итальянская мода считается эталоном элегантности, стиля и утонченного вкуса.
Италия была страной, где родились мода и стиль.
Темпераментные жители Апеннинского полуострова замечательно разбираются в фасонах одежды, обуви и аксессуарах. Итальянские дизайнеры возглавляют известнейшие дома моды. Каким-то шестым чувством они безошибочно определяют, какие материалы и фасоны будут актуальны в каждом конкретном сезоне, не говоря о классике, которая интересна всегда. Популярность и славу итальянской моды составляют школы кутюрье мирового признания. Обратимся к некоторым из них.
|
Джорджио Армани родился 11 июля 1934 года в Пьяченце – небольшом живописном городке на севере Италии. Здесь же он окончил школу и поступил в университет на медицинский факультет. Во время учебы в университете Армани мало интересовался миром моды, однако спустя два года в нем проснулась настоящая жажда к творчеству, и в 1957 году, всерьез увлекшись дизайном одежды, он поступил на работу в миланскую сеть магазинов "La Rinascente". Он работал менеджером по закупкам мужской одежды и оформителем витрин.
В 1964 – 1970 годах Армани работает ассистентом Нино Черутти (Nino Cerrutti). В 1970 – 1975 годах Армани – freelance-дизайнером для различных домов моды. В 1975 году совместно с другом и партнером Серджио Галеотти (Sergio Galeotti) основывает Дом Giorgio Armani. 24 июля стал знаменательным днем для только что созданной компании "Giorgio Armani Spa".
 |
Голливудский актер |
Именно тогда молодой модельер приступил к созданию первой коллекции мужской и женской одежды под маркой Giorgio Armani.
Мир был восхищен одеждой, которую отличали великолепный крой, изысканные цвета и смелый выбор тканей. Обладая тонким вкусом модельера и художника, Джорджио Армани первым отменил строгие правила ношения вечерних туалетов. Предложенное им сочетание парадных нарядов с туфлями на низком каблуке или плоской подошве прозвучало подобно революционному гимну.
Отдавая дань роскошной красоте и изяществу восточного стиля одежды, традиционно считавшегося декоративным, Джорджио Армани первым адаптировал его к мировой моде и органично дополнил им богатые культурные традиции Европы.
Способности Армани к оценке и прогнозу развития моды, глубокое и тонкое понимание мира красоты и элегантности в сочетании с несомненным талантом предпринимателя привели компанию "Giorgio Armani" к успеху и процветанию. Параллельно с созданием новых коллекций мужской и женской одежды, Джорджио Армани лично участвует в разработке и практическом осуществлении стратегии компании и контролирует все вопросы, связанные с маркетингом.
|
Итальянской паре модельеров Доменико Дольче и Стефано Габбана удалось сделать почти невозможное. Меньше десяти лет понадобилось им, чтобы превратить свое маленькое миланское ателье в международную империю моды, приносящую миллионы долларов прибыли. С ними мечтают дружить (или, по меньшей мере, быть их клиентками) самые красивые и знаменитые женщины мира.
Это Дольче и Габбана ввели в моду рваные джинсы, это они превратили бюстгальтер из "стыдного" нижнего белья в роскошный аксессуар, который можно носить с мужским костюмом, это они дали начало "бельевому стилю" в женской моде и превратили черные платья итальянских вдов в суперсексуальные одежды. Они давно уже могли бы нанять целую армию стилистов и просто раздавать поручения, вместо того, чтобы корпеть над эскизами. Но они хорошо помнят свое восхождение к славе и очень дорожат им. Как это было?
Они устроились ассистентами в одно миланское ателье, где в процессе совместного раскроя и шитья костюмов для итальянских домохозяек выяснили, что очень любят эпоху барокко, классические итальянские фильмы и друг друга. Хотя даже внешне они совсем разные.
Доменико – коренастый, молчаливый, обожает черный цвет, предпочитает проводить вечера дома, потому что любит покой и уединение. Он родом с Сицилии, где его семья владела маленьким ателье. С 6 лет мальчик работал на подхвате у отца, чуть ли не с закрытыми глазами мог пришить рукав к пиджаку (за что и получил прозвище "Моцарт" – мол, этот мальчик такой же бог в искусстве кройки и шитья, как Моцарт – в музыке), а в свободное время в качестве развлечения создавал из лоскутов миниатюрные костюмчики и платья.
Жизнь на Сицилии течет по законам, сложившимся много столетий назад, глухие черные платья местных женщин, узкий шерстяной костюм, который Доменико разрешалось надевать только в воскресенье, когда вся семья отправлялась в церковь, блестящие итальянские мачо, умеющие так небрежно и так элегантно носить шляпы, и слово отца, которое крепче любых замков. Мать его особо не баловала – семья была не из богатых, так что ни на дорогие игрушки, ни на обновки рассчитывать не приходилось. Какие тут обновки, если мать сама частенько донашивала за отцом его костюмы в тонкую светлую полоску (для грязной работы по дому хорошего платья жалко, а всякие новомодные штучки типа спортивного трикотажа на Сицилии сурово порицались).
Эти воспоминания детства Доменико потом перенесет в коллекции. Но это будет потом, а пока Доменико по достижении совершеннолетия должен был войти в семейный бизнес – так в тех местах заведено испокон веков. А он взял и выкинул фортель — поступил в университет, откуда сбежал, чуть ли не на следующий год, отчаянно заскучав. Дольче отучился в художественной школе и рванул в Милан – на поиски славы и удачи.
А красавчик Стефано (он на четыре года младше Доменико) теперь с улыбкой признается, что уже в сладкие годы тинейджерства был отчаянным модником. В начале каждого сезона он отправлялся в магазин фирмы "Фиоруччи" (любимая фирма итальянской молодежи, падкой на все яркое и блестящее) и прикупал там себе самую-самую модную на тот момент вещь. "Но я и думать не мог, что создание одежды станет моим собственным бизнесом". Габбана учился на отделении графики и дизайна в художественном колледже, закончил его "в звании" "креативный директор", но по профессии не проработал ни дня – он тоже отправился в Милан на поиски славы и удачи.
 |
Софи Лорен |
Стефано – в противоположность Доменико – родился в Северной Италии, он высокий, худой и болтливый, обожает путешествовать по ночным клубам. Они все делают вместе – вместе придумывают коллекции, вместе отдыхают и путешествуют, даже разговаривают вместе, перебивая один другого. Мы никогда не устаем от нашей одежды, потому что каждое из наших творений содержит частичку нас самих. За каждой моделью стоят история, идея, маленькая тайна. Ведь вы же никогда не устаете от вещей, которые любите! Дизайнеры признаются, что часто они черпают вдохновение в итальянском "старом" кино. "Когда мы создаем одежду, это как кино, – говорит Доменико Дольче, - Мы придумываем сюжет и создаем под него одежду."
Главными вдохновительницами творчества Дольче и Габбаны остаются блестящие итальянские актрисы – Софи Лорен, Джина Лоллобриджида, Анна Маньяни в фильмах 50-60-х годов.
Пара не ставит своей целью формировать моду; они считают, что главное, на их взгляд, – создавать качественную хорошую одежду. Доменико Дольче и Стефано Габбана однажды признались, что не возражали бы, если бы их единственным вкладом в историю моды стал бы черный бюстгальтер.
 |
| Карла Фенди |
Дом Фенди – это больше чем история меховой моды. Это современная сага, в центре которой – римская семья, сплоченная единой страстью к творчеству.
Клан Фенди состоит из пяти сестер. Президент группы – Карла Фенди не скрывает, что в их семье всем командуют женщины, хотя уже на протяжении 30 лет главным идеологом компании является Карл Лагерфельд. Он – друг, соратник, душа компании Фенди.
Вполне простительно, если имя Фенди мало что говорит вам. Уж очень это предприятие, затеянное более 70 лет назад и достигшее международного размаха по своей сути итальянское. Оно рассчитано в первую очередь на тех, кто любит и может себе позволить самые редкие сорта меха. Соболя, стриженая норка, шиншилла, шелковистая белка – все то, на что негодующе указывают пальцем "экологически корректные" граждане.
|
Трудно представить себе эскимосов, делающих холодильники, но как бы то ни было сестры Фенди – уроженки южной Европы прославились именно тем. Что создают прекрасные, мягкие манто в теплых краях, где холода – редкость.
В середине 20 – х. годов они окрыли в Риме первый бутик кожаных и меховых изделий. Сейчас, помимо мехов, фирма выпускает аксессуары, линии изделий из кожи (чемоданы, сумки), женскую и мужскую одежду pret-a-porter, детскую одежду, мебель и парфюмерию. Непосредственно в фирме работает более 40 человек. Продажа изделий производится в 100 бутиках Фенди, 80 процентов продукции идет на экспорт и всем этим управляет целиком одна семья.
Гениальным шагом со стороны сестер было приглашение Карла Лагерфельда – именно он придумал логотип, вензель из двух зеркально отраженных F, он предложил самые безумные идеи и воплотил их в жизнь. В его отношении к драгоценным шкуркам нет ни какого трепета, напротив, он рассматривает мех как обычную ткань, как белую канву – основу для самых невероятных фантазий. Лоскутная техника, подбойка, крашенный. Стриженный, щипаный мех, инкрустированный в ткани, смешанный с другими материалами.…
На фирме существует целая научная лаборатория, постоянно ведущая исследования в области новых технологий для самой совершенной и изощренной обработки меха, виртуозного сочетания самых драгоценных мехов с такими, которых прежде гнушались, например кролик, ласка. Они способны преобразить мех до полной неузнаваемости. Карл Лагерфельд испытывает страсть к скрытой роскоши (пальто с подкладкой из меха) его коллекции для разных домов мод предназначены для той, что сторонится ярких и очевидных фирменных знаков, она себя балует, но пусть это будет секретом для всех - кроме посвященных. – "Потворствовать себе, но тихо, приватно".
|
Редко кто слышал его фамилию – Гаравани. В эпоху минимализма этот итальянец остался певцом утонченности и рафинированной роскоши, которую глянцевые журналы именуют словом гламур.
Первую свою коллекцию он представил в 1959 году в Риме, тогда же определилась его главная миссия – делать женщин неотразимыми, создавать одежду, которая манит и соблазняет. Стиль его с годами определился, стал более зрелым, но сохранился облегающий силуэт, остались тончайшие ткани, замысловатая вышивка, изысканные меховые детали.
Валентино всегда был поклонником белого. Он видел в нем чистоту мечты, белизну снега и яркий летний свет. Другой цвет, которым он знаменит – красный. Он использует этот цвет так часто и так много, что цвет этот называют в модном бизнесе "красный от Валентино". Красный и белый – цвета-талисманы. Они присутствуют в его коллекциях. Они окружают его в жизни, особенно много красного – алый, рубиновый, гранатный.
Петербург – один из любимых городов Валентино – русская тематика давно присутствует в его коллекциях. Россия, по его словам, страна, дающая ему наибольшее вдохновение, ее культура просто завораживает его. Валентино даже мечтал сделать коллекцию костюмов для Большого или для Мариинского театров.
Он страстный коллекционер, и одержимость каким – либо предметом искусства часто находит воплощение в его работах. Сорок лет он в моде, но ему удалось не потерять вкус к красоте и до сих пор делает одежду, которая украшает женщин, ведь они это так любят.
Безграничная фантазия, южный темперамент, неотразимый шарм и конечно же улыбка фортуны помогли простому итальянскому портному стать самым известным итальянским дизайнером прошлого столетия.
 |
Смелые, раскованные, неизменно эротичные модели от Versace покорили модный Олимп и сердца звезд Голливуда, невольно рекламировавших стиль "от Версаче", а также принесли своему создателю миллиарды долларов. Но, к сожалению, роковая случайность оборвала творческий путь великого мастера моды.
Джанни Версаче родился 2 декабря 1946 года в городе Реджо-ди-Калабриа на самом юге Италии. У него было мирное детство в семье, где властвовал его отец – владелец магазина электротоваров и бытовой техники. Его мать Франческа была профессиональной портнихой и постоянно брала маленького Джанни с собой на работу.
Видимо, эти первые детские впечатления от костюмерной и бесчисленных платьев и определили в дальнейшем путь великого мэтра моды. Сам Джанни, вспоминая о своих первых годах, говорил: "Думаю, что своим мастерством и профессионализмом обязан маме". Однако, с мамой у Джанни Версаче были непростые отношения. Помимо него, у нее было еще двое детей - дочь Донателла и сын Санчо. Вопреки стараниям Джанни, Франческа не обращала на младшего сына никакого внимания, отдавая большую часть своей любви Санто. А Джанни жадно ловил каждый ее взгляд, следил за каждым ее шагом, мечтая стать ее помощником-закройщиком. "Не знаю, может быть, в этом и есть смысл моей жизни и моего творчества - добиться ее внимания!", - вспоминал он позже. Наблюдая за ловкой работой своей матери, оборачивающей тела клиенток в бархат, Джанни познавал первые уроки искусства драпирования ткани. Он навсегда запомнил, как эффектно Франческа укладывала складки на ткани, подчеркивая достоинства фигуры и скрывая ее недостатки. "Благодаря матери я понял, как важно работать непосредственно с телом, чтобы видеть и чувствовать, как ложится ткань, как она взаимодействует с линиями женщины. Такая работа, возможно, и является истинным призванием Кутюрье".
Постепенно Джанни стал помощником матери в ателье и с головой ушел в создание одежды, сочетая свои фантазии с модными веяниями. Чтобы быть в курсе последних, он регулярно посещал показы одежды в мировых центрах моды – Париже и Лондоне. Однажды, в их ателье раздался звонок, навсегда изменивший жизнь подающего надежды портного. Состоятельный миланский бизнесмен, прослышав об исключительном таланте молодого Версаче, решил вложить в его бизнес свои деньги. Джанни понял, что ему представился уникальный шанс реализовать себя, и, не раздумывая, вылетел в Милан навстречу новой судьбе. Так начался творческий взлет молодого итальянского дизайнера, ставшего вскоре всемирно известным Джанни Версаче.
Свою миланскую карьеру талантливый юноша начал с работы на известные итальянские Дома моды Genny, Callaghan и Complice. Ему уже исполнилось 25 лет, и он был полон амбициозных планов на будущее. В 1994 году эти ранние работы известного модельера попадут на ретроспективную экспозицию в Берлинском музее художественных промыслов, посвященную 47-летнему законодателю мод. Никто и не предполагал тогда, что Джанни Версаче осталось жить всего три года ... Но вернемся в 70-е.
Вдохновленный своими первыми коллекциями, Джанни в 1978 году создает собственный Дом моды Gianni Versace, пригласив на посты президентов своих ближайших родственников - брата Санчо и сестру Донателлу. Спустя год, он представил первую коллекцию под собственной маркой в Милане, заслужив восторженные аплодисменты искушенной итальянской публики, сразу влюбившейся в стиль Версаче.
Для своего Дома моды Джанни Версаче выбрал фирменным знаком голову Медузы, изображение которой украшает все модели марки Versace с 1978 года. Объясняя свое решение, он говорил: "Этот выбор был сделан абсолютно сознательно. Медуза символизирует красоту и роковые чары античной древнегреческой классики - как в искусстве, так и в философии. Она - синтез красоты и простоты, которая в прямом смысле парализует и даже гипнотизирует".
Одежда от Версаче действительно гипнотизировала своей красотой, чистотой линий и точнейшим кроем. Стиль Версаче взорвал подиумы, сделав его в 80-х годах лидером мировой моды. По самым скромным подсчетам, его годовые доходы достигали 900 миллионов долларов! По всему миру активно работало 165 именных бутиков Версаче и 23 частных магазина "Istante".
Фантазия модельера не ограничивалась только модой, он создавал костюмы и театральные реквизиты, аксессуары, духи, часы, фарфор, декоративный кафель и даже целые интерьеры "а-ля Версаче". Модельер Джанни никогда не боялся экспериментировать с материалами, соединяя чувственную кожу с нежным шелком, кружевом или джинсовой тканью.
|
Он подчас создавал довольно откровенные и экстравагантные модели, но и не забывал при этом про лаконичную вневременную моду. Элегантные простые черные платья и фантастически женственные вечерние туалеты - именно они утвердили безукоризненный стиль Versace и принесли ему мировую славу. Не последнюю роль в восприятии торговой марки Gianni Versace сыграло созданное модельером (впервые в мировой истории моды!) понятие топ-модели, имевшее символичный характер для женщины 80-х. Он начал платить отдельным участницам показа двойные и тройные гонорары, заключая с любимыми манекенщицами долгосрочные контракты. Эти исключительно элегантные супермодели стали кумирами миллионов, их скандальные выходки заполняли страницы газет, подражание им стало мечтой тысяч юных девушек.
Клаудиа Шиффер, Кристи Терлингтон, Линда Евангелиста, Синди Кроуфорд и Наоми Кэмпбелл - всех их создал Джанни Версаче. Возможно, все созданные им изысканные наряды были посвящены его матери, образ которой остался в его памяти возвышенным и чистым идеалом, столь же недосягаемым, сколь и прекрасным. Многие женщины признавались, что в платьях Кутюрье ощущали себя Королевами.
Кто знает, сколько еще великолепных и сказочных платьев для своего воображаемого ангела чистоты создал бы гениальный художник, если бы не злополучное стечение обстоятельств. В то роковое утро 15 июля 1997 года Джанни Версаче находился на своей вилле в Майами-Бич и вышел на улицу, чтобы купить свежих журналов. Только здесь он позволял себе эту непозволительную роскошь - ходить по улицам одному, без охраны. Он уже возвращался обратно, когда неожиданно раздался выстрел, безвременно оборвавший жизнь 50-летнего модельера.
Когда миниатюрная итальянка в 42 года возглавила один из самых известных Домов моды после трагической смерти брата, многие сомневались в ее успехе. Вначале Донателла помогала своему брату с организацией рекламных кампаний и показов, потом начала заниматься дизайном аксессуаров и детской одежды. Сейчас же она создает собственные коллекции haute couture и pret-a-porter и является не менее значимой фигурой в fashion-biz, чем ее легендарный брат, Джанни Версаче. После трагической смерти Джанни Версаче, убитого на пороге собственной виллы 15 июля 1997 года, судьба одного из самых известных итальянских Домов оказалась под угрозой.
Модные критики и завистники талантливого и удачливого модельера в один голос прочили недолгое существование огромной империи Версаче и весьма скептически оценивали первые коллекции его преемницы, которой стала младшая сестра Джанни, Донателла. Будущий модельер обожал свою младшую сестренку, которая навсегда стала для него музой, соратницей и самым лучшим критиком. Позже она признавалась, что уже в 11 лет носила вещи, которые Джанни создавал специально для нее. После окончания университета, Донателла переехала в Милан к Джанни, который уже успел основать собственный Дом моды, и заняла должность PR-директора, в то время как их старший брат Санто, экономист по образованию, начал заниматься финансами семейного предприятия Versace.
Вскоре, помимо вопросов имиджа и рекламы, в ведении Донателлы оказалась и новая молодежная линия Versus, которая вливала свою струйку в общий многомиллионный оборот компании Versace. Джанни не прогадал, пригласив на самые ответственные посты своих энергичных родственников. "Втроем мы гораздо сильнее. За двадцать лет нам удалось построить то, что другие делают за сто", – сказал он незадолго до своей смерти.
Неожиданная смерть Джанни Версаче породила массу догадок и версий относительно мотивов этого преступления. Поговаривали, что к убийству были причастны и Донателла с Санто, которые давно хотели управлять компанией самостоятельно, и мафия, отмывавшая деньги в его бутиках. Но никаких подтверждений ни одна из версий не получила.
Известно лишь, что Донателла потратила немало денег, чтобы изъять большую часть информации о жизни покойного из материалов следствия и предотвратить распространение книги о брате под авторством Франка Монте, которая бросала тень на всю семью Версаче. Спустя всего три месяца после гибели своего легендарного брата, Донателла представила на суд модной публики свою первую коллекцию основной линии Versace. Несколько сдержанный прием, однако, ничуть не смутил энергичную итальянку с платиновыми волосами. Она продолжала интенсивно работать, успевая делать все запущенные ранее коллекции, и одновременно искать свой стиль. "О моих коллекциях плохо отзывались, но я всегда знала, что не смогу просто продолжать то, что делал Джанни. Чтобы оставаться на гребне, надо искать новое".
Оставаясь в рамках стиля, созданного Джанни, Донателла сделала новые модели от Versace более женственными, удобными и менее агрессивными.
В 1998 году годовой товарооборот компании превысил 560 миллионов долларов. Сейчас под ее руководством работают 40 стилистов, разрабатывается 17 линий одежды, работает около 300 бутиков и 3000 торговых точек.
 |
Итальянский футбол |
Футбол можно считать национальным спортом в Италии, он больше других захватывает итальянцев.
Почти в каждом городе и селении есть своя команда. Наибольшей популярностью пользуются команды Ювентус (Турин) и Интер (Милан). Когда проводит матч сборная Италии - знаменитая Скуадра Адзурра, улицы итальянских городов пустеют - все собираются у экранов телевизоров, чтобы "поболеть" за свою команду и помочь ей отстоять честь страны и итальянского футбола, а с сентября до июня каждое воскресенье сотни болельщиков заполняют, в качестве зрителей и участников, в числе сотен тысяч, большие и малые стадионы полуострова.
Большой популярностью у итальянцев пользуются автомобильные гонки. Машины и скорость – настоящая страсть итальянцев. В Италии множество треков и гоночных клубов, но и разумеется автодромы в Монце и Имоле – места паломничества для поклонников Формулы–1 и ярко-красных Феррари.
Верховая езда также является распространенным видом спорта. Проводятся национальные и международные соревнования во многих городах Италии (в том числе Международные официальные скачки в Риме, проходящие весной на Пьяцца ди Сьена), организуются также национальные и международные соревнования по поло.
Для зимних видов спорта в Италии большое разнообразие мест, современно оборудованных, с многочисленными подъемными системами: канатные дороги, фуникулеры и подъемники для горнолыжников, гостиницы со всеми удобствами, спуски различной степени трудности, катки, дорожки для санок, трамплины для прыжков, стадионы с ледяным полем. В Альпах и Апеннинах имеются сотни горных баз для альпинистов, построенных в местах, пригодных для организации походов и восхождений.
Заключая анализ национальной культуры Италии и определяя ее вклад в мировую культуру, можно утверждать, что современному миру она сумела не только передать гуманистические основы античности, но и развить их в своей культуре.
Каждый этап становления и развития культуры Италии во всем разнообразии своих форм выражал собственное отношение к гуманизму.
В итоге эта национальная культура создала новые художественные способы творческого самовыражения человеческой природы, наиболее ярко воплотившиеся в пластических видах искусства и сумевшие целостно выразить равновесие духовного и материального мира. Важнейшим качеством культуры Италии является способность целостно выражать гармонию духовного и материального мира и видеть красоту во всех проявлениях человеческой жизни.
Проверка знаний
Подробности